Lost Aaraaff

LOST AARAAFF

LOST AARAAFF (P.S.F. Records, 1991)

Shime Takahashi: batería

Keiji Haino: voz, guitarra, piano

Poca información hay del primer proyecto de Haino. Lost Aaraaff estuvieron activos desde 1970 hasta 1975/76 y que yo sepa este CD es lo único que tienen publicado, y fue publicado por P.S.F. Records en 1991. El álbum contiene tres temas sin titular que parece ser fueron grabados en directo, que que muestran a una banda vanguardista con un lenguaje más de free jazz que de rock. No esperes encontrar las avalanchas de distorsión guitarrera de Fushitsusha, aqui el instrumento dominante es el piano, quizás por eso recuerde a vanguardistas del jazz como Albert Ayler o Cecil Taylor. Lost Aaraaff es esencial para seguidores de este impresionante músico nipón, para saber de donde viene todo. 

Guitar Wolf

GUITAR WOLF

UFO ROMANTICS (Ki/oon Music, 2003)

Seiji: guitarra, voz

Billy: bajo

Toru: batería

Otra colección de punk rock garagero y macarrónico de los de Nagasaki. 13 temas escupidos a todo volumen y cantados a pleno pulmón que no se diferencian demasiado los unos de otros, bueno es que tampoco es fácil distinguir los estribillo de la estrofas. Creo que UFO Romantics es su séptimo álbum de estudio, editado por el sello japones Ki/oon en 2003 pero la la versión que tengo en casa es la de Munster Records ese mismo año ene una portada distinta portada en B/N en el que nuestros tres mendas salen con unas chupas de cuero poniendo morritos.

Aunque con una producción algo más limpia que en sus previas entregas, UFO Romantics contiene todos los ingredientes por los que adoro a estos japos: crudeza, solos que son espasmos eléctricos, canciones con títulos demenciales. Guitar Wolf son una de las bandas más majaras del planeta y este álbum es una buena muestra de su locura.

Marble Sheep and the Run-Down Sun's Children

MARBLE SHEEP AND THE RUN-DOWN SUN'S CHILDREN

FIRST ANNIVERSARY LIVE (Captain Trip Records, 2007)

Ken: voz, guitarra acústica, percusión

Fool: voz, bajo, guitarra acústica, percusión

Nakano: voz percusión

Kurihara: guitarra eléctrica

First Annyversary Live contiene dos temazos psych-rock de los Marble Sheeps and the Run-Down Sun's Children. En la cara A aparece “ “Ancient Wind” una locura psycho de bongos y guitarra corrosiva. Fue grabado en 1987 pero desconozco donde salió. En la cara B tenemos “Untitled” un instrumental de acústicas y percusión repetitivo que apareció en un flexi en 1988. Dos gemas de estos japos majaras.   

Friction

 FRICTION

ATSUREKI (Pass Records, 1980)

Reck: voz, bajo

Chiko Hige: batería, saxofón

Tsunematsu Masatoshi: guitarra

Los origines de Friction hay que buscarles a principios de la década de los setentas cuando Reck y Hige formaron el combo vanguardista Circle Triangle Square. A mediado de los setentas cambiaron el nombre a 3/3 y poco después Reck y Hige se fueron a Nueva York donde estuvieron tocando con Teenage Jesus and the Jerks y fueron miembros fundadores de James Chance and the Contortions antes de volver a Japón y formar Friction reclutando al guitarrista Tsunematsu Masatoshi.

Atsureki fue su primer álbum de estudio del trío, un álbum sorprendentemente complejo pero fresco. Un sonido con ritmos angulares que recuerda a la no wave de James & the Contortions o Theorietical Girls, con toques de Captain Beefheart, y del postpunk europeo de unas Slits o Liliput. Cada canción es diferente y el álbum no aburre en ningún momento. Si te gusta el punk y la no wave este disco te va a gustar.  

Hear Japanese See Japanese Say Japanese

VARIOS ARTISTAS

HEAR JAPANESE SEE JAPANESE SAY JAPANESE (Dostmark, 2007)

Recopilación de noise nipón de la década pasada. En este mismo blog se menciona a bandas muchas veces incluidas en ese género pero que no pertenecen a lo que se considera Japanoise en su versión más estricta. Esas bandas en que el feedback, la electrónica y la saturación de volumen son sus herramientas, y que en Hear Japanese See Japanese Say Japanese nos encontramos con una pequeña muestra. Que sea música o no eso se lo dejo a otros.

El CD contiene a doce bandas: destructionisties, Groyxo, Variations of Sex, Masked Diode, shikaku, Eros +Gyakusatsu, Pezica, Suspect, amnesia-channel, Paipan Angle, Bloody Letter, y Direct Lightning Stroke que aportan un video. Si consideras el Metal Machine de Lou Reed como una de las obras más importantes de este, o te gustan los momentos más abstractos de Sonic Youth, en particular en su etapa de SYR, esta recopilación es para ti.

Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O.

ACID MOTHERS TEMPLE & THE MELTING PARAISO U.F.O.

THE RIPPER AT THE HEAVENS GATES OF DARK (Riot Season, 2011)

Tsuyama Atsushi: bajo Monster, voz, flauta Cimpo, grabador Soprano, guitarra acústica.

Higashi Hiroshi: sintetizadores, anillo Danzing

Shimura Koji: batería, Latino cool

Kawabata Makoto: guitarra eléctrica, buzuki eléctrico, sitar, órgano, percusión, electrónica.

The Ripper At The Heavens Gates of Dark es un álbum del colectivo de Acid Mothers Temple que le tengo un cierto apego ya que le pillé cuando tuve la oportunidad de verlos en Corsica Studios cuando lo presentaron en Londres. El álbum contiene 5 temas, el más corto de unos cuatro minutos y el más largo de casi 22, en el que en este caso el cuarteto se recrean haciendo escapadas psicodélicas espaciales con la guitarra de Makoto variando entre riffs Zeppelianos a tantras sónicas, pasando por ambientaciones orientales y de kraturock. Para aquellos que conozcan a los ACT, este no es un álbum en el que se presenten nuevas facetas de ellos, pero para los que no les conozcan es una muy buena entrada a su mundo sonoro.

Jet Boys

JET BOYS

GET OUT OF MY GIRL / TEENAGE THUNDER/ FUCK U TOKIO (Sympathy for the Record Industry, 1993)

Assman Ono Ching: voz, guitarra

Joe Alcohol: bajo, voz

Pancho Suzuki: batería, voz

 Trio de punk rock gamberril de Tokio, no le vayas a confundir con la banda de hard rock pajotero de San Francisco de nombre muy parecido. Jet Boys son una banda de punk garagero excesivo y agresivo. En este picture 7” de punk rock maniático con tres cortes es escaso en duración pero muy abundante en volumen y actitud. El tema estrella “Get Out Of My Girl” que ocupa la cara A es una explosión sónica de incontrolada excitación. La cara B lleva dos temas pero el corte interesante es una versión del “What Love Is” de los Dead Boys que estos mendas titulan “Fuck U Tokio”. Como diría mi vecino “It's so cooooooooool nena.  

Ranmadou

RANMADOU

1971 SUMMER (URC Records, 1971)

Hisao Maauyoshi; voz

Eiryu Kou; guitarra

Yukio Suruyama; bajo

Toshiro Yajima; batería

La historia de Ranmadou es corta, empieza en 1971 cuando el guitarrista Kou la forma despues de dejar a su anterior banda, Dew, la prefectura de Gifu en el centro de Japón, pero al cabo de unos meses se trasladaron a la zona dela capital imperial, Kyoto. En 1972 sacaron un álbum de rock insulso con orientaciones poperas y al poco después desaparecieron. Pero antes meterse en el estudio de grabación para este álbum y gracias a unos contactos consiguieron colarse en el carel del 3rd Festival Anual de Folk en Tokio, de donde salio la grabación que tenemos entre manos.

1971 Summer captura a la banda en un estado de gracia. A una banda cuyo sonido es un blues rock acido de voz rasposa y muchos decibelios. El álbum consta de 10 temas que se dividen entre aquellos de corte rock blues tradicional, se atreven a hacer una versión del “Hoochie Coochie Man” de Waters que se les lleva por delante, y trombas de rock acido metalero que se podrían meter entre Black Sabbath y unos Stooges hippiosos. Mis cortes favoritos son el mazazo que es “One Hundred Faces” y “ White Shoes”, un tema cuyo riff recuerda al de la entrada del “O Stella” de P.J. Harvey, pero eso es todo lo que tienen en común. Blues rock metálico de muchos pelos.

White Heaven

WHITE HEAVEN

OUT (P.S.F. Records, 1991)

Naohiro Yoshimoto: bajo

Ken Ishihara: batería

Michio Kurihara: guitarra

You Ishihara: voz, guitarra

Out es el primer álbum de la legendaria banda psicodélica de Tokio, White Heaven. Una banda, para bien o para mal, de psicodelia clásica con una guitarrista cojonudo. Una banda con un duo de guitarras feroces que saltan y chirrían pero tocadas con precisión. El sonido de la banda tira hacia la psicodelia de la costa oeste en la onda de Quicksilver o Airplane, pero las influencias en las voces hay que buscarlas en la otra costa de USA, en Hell/Verlaine. Sus origines se pueden encontrar a mediados de los ochentas pero debido a una serie de cambios en la formación su primer LP oficial no seria hasta que en 1991 P. S. F. Records lo sacara. Cierto es que habían autoeditado un par casetes a finales de los ochentas con versiones distintas de la mayoría de los temas de este álbum que no he visto ni en fotocopias. No obstante, la publicación del LP no seria el final en los problemas con la formación de White Heaven, poco después de la grabación del álbum Mishio y Naohiro se piraron y fueron reemplazados para el segundo álbum con el guitarrista Souchirou Nakamura y el bajo Kouiji Samura. Pero nos estamos saliendo de lo que nos trae aquí.

La edición original de Out consistió en 500 copias en vinilo que se agotó en cuatro días, y por los que se están pagando alrededor de 300 dólares por ejemplar. Pero en 1994 P.S.F. Records lanzaría una versión en CD que tiene unos precios mucho más aptos para mi bolsillo. La portada es bastante sencilla funda negra con letras doradas de fuetes sencillas. Los valores de la producción están en la parte baja de la escala que se puede considerar como como un valor intrínseco en si.

Out tiene dos marchas, a todo trapo y de dulce nostalgia. “Blind Promise” es el primer corte del álbum y entra a todo trapo, un torbellino psicópata en el que las guitarras de Michio Kurihara llenas de adrenalina y furia salen por los bafles como serpientes en pleno ataque. Después nos viene “Dirty Hands”, un tema introspectivo y delicado. En la misma onda empieza “Fallin' Stars End” pero que se va enredando en una ascensión hasta un estallido de notas de guitarra acodas que te van derritiendo y que después de numerosas escuchas todavía tengo un estremecimiento de gusto al ponerla. “My Cold Dimention” es un tema de rock con guitarras rugientes y ritmo acelerado.“Mandrax Town” es el tema mas largo del álbum con 11.51 minutos. Un pedazo de tema que empieza con el susurro del bajo y que va en crescendo metiendo capas de guitarras que se abren camino en tu consciente a puñetazos. La sombra de unos Doors planea a la vez que la canción progresa. Cerrando el CD nos encontramos con el tema que da título al álbum “Out”. Un tema que tiene esa dejadez característica de la psicodelia de la costa oeste, que se va revolcando en si misma hasta que casi consigues ver la electricidad saliendo de tus bafles. He leído criticas que consideran este tema como proto-shoegaze ya que tiene esa amplitud que se puede encontrar en los primeros álbumes de Ride, quizás, a mi esas guitarras lánguidas y acidas me recuerdan a los temas mas rock de unos Airplane.

Out es rock psicodélico en su forma más pura e intensa, una delicia para los amantes de guitarras envolventes e incisivas con grandes dosis melódicas.

Afrirampo

 AFRIRAMPO

A (Auto publicado, 1994)

Oni: voz, guitarra

Pikacyu: voz, batería

A es el segundo álbum del lunático duo de Osaka que fue autopublicado pero que ya hacia mediados del 2000, se reedito en el sello de los Acid Mothers Temple con nuevas mezclas y creo que un par te temas extra. Con una formación a lo White Stripes estas dos chavalas se rieron de todo el panorama musical con su garage punk casero y vacilón. La música de Afrirampo, es rock blues, sino temas de libre forma, con sacudidas de garage primitivo que a veces recuerda a bandas del garage rock más minimalistas y sucias como los Oblivians, pero con composiciones más personalizadas y abstractas, usando canciones con estructuras abiertas e improvisaciones libres para crear todo un trueno mercurial. Las letras de las canciones consisten en mantras sencillas cuando no son completamente onomatopéyicas. De acuerdo con las chicas de Afrirampo su estilo musical combina en partes iguales la energía del garage rock, el caos del free rock, pataleo tribal, y la disposición a la exploración de la psicodelia. Propuesta que las llevo a compartir cartel con Sonic Youth, Lighting Bolt, y con los Pigmeos de Camerún.

Y toda esta mezcla es la que encuentras en A, álbum que empieza con “Uchira Wo Ko Sasetemiro” un vacile de menos de un minuto que da paso a la caña caótica de “Afrirampo”, un tema con descaro punk. “Oni-OPika Heart” es un tema extraño y juguetón. Con “DoDoDoDo” el duo parece intentar parodiar el death metal, pero a su manera. En “Kaeaii Watashi” es un pop surrealista. “Akan Konomama Kaesina” es su particular versión del “Batman Theme”. “Natsu Ga Kita” es otro vacile. El CD lo cierra “Yuki-Chan” un tema de caos medio psicodélico de más de 16 minutos.

Si lo tuyo es el noise improvisado con grandes dosis melódicas A hará que tus vecinos te odien de por vida. Un álbum que esta más relacionado con el rock vanguardista que con el punk o el rock.  

Captain Sentimental

CAPTAIN SENTIMENTAL

SOUNDS OF POWERSPOTS (Sunrain Records, 2010)

Poco o nada sé de Captain Sentimental a parte de que esta formado por gente de otras bandas del área de Tokio como Panic Smile o Bossston Cruizing Mania, y este Sounds of Powerspots es lo único que tienen en la calle que yo sepa.

El álbum consiste en dos suites grabadas en directo tituladas “Sounds of Powerspots I” de algo más de 20 minutos de duración, y “Sounds of Powerspots II” de casi 30 minutos de duración. En ambas la banda mezcla bucles y y samples de hip hop con la experimentación del krautrock y en algunos momentos atmósferas de unos últimos Boredoms. Los sonidos son limpios aunque con una textura densa a momentos. No hay rastro de guitarras distorsionadas o cacofonía pero los temas fluyen con libertad el que te dejas llevar.

Quizás no sea un álbum para los aficionados a los sonidos llenos de excesos que nos tienen acostumbrados las bandas japos que acostumbro a poner en este blog, pero si que es una buena muestra que la oferta musical de Japón es amplia y con propuestas interesantes saliendo constantemente.

Mainliner

MAINLINER

MELLOW ONE (Charnel Music, 1996)

Asahito Nanjo: bajo, voz

Hajime Koizumi: batería

Makoto Kawabata: guitarra

Mainliner empezó en 1995 con Asahito Nanjo de High Rise y el líder de Acid Mothers Temple, Kawabata Makoto, para “explorar nuevas posibilidades” y crear “un tipo completamente nuevo de grupo psicodélico heavy.” El duo llamó al batería de free-jazz, Hajime Koizumi, para redondear el trío.

Mellow One es el primer álbum del trío, y el único con esta formación, ya que Koizumi fue sustituido por el batera de Ruins para el segundo álbum. Un álbum donde no encontrarás el pseudo jazz de andar por casa que puedes encontrar en muchas bandas noise, ni se pajean en la aceras del No New York. Al contrario, Mainliner siempre están manteniendo y sustentando una apisonadora de rock pesado.

Dando entrada al álbum nos encontramos con “Cockamanie,” tema de menos de dos minutos de atronadoras guitarras y una sección rítmica desbocada. Un aperitivo a lo que viene detrás, que es la tormenta sónica de 15 minutos titulada “Black Sky” donde la voz/gemidos de Haito aúllan por encima de los chillidos de la guitarra de Kawabata y la pesada y desbocada sección rítmica. Cuatro minutos después el trío se lanza a un free-rock donde no se salvan ni los muebles. De repente todo se apaga y entramos otra vez la bulimia de la primera parte. Pero esto no dura mucho, ya que la banda vuelve a despegar pero con más furia si cabe. Cuando todo ello acaba te quedas como cuando ves dinamitar un edificio, espectacular, pero con un vacío. Musicalmente imagina al “Sister Ray” pero con una potencia multiplicada por diez.

El tema que cierra es “M”. Un tema de 18 minutos y pico que empieza con un sólo de batería. Cuando acaba al minuto y algo, la guitarra se marca un riff heavy y al bacanal sonoro vuelve a apoderarnos. La estructura es parecida a la canción anterior pero más lenta y pesada, quizás con más control. En los free rock la guitarra de Kawabata se convierte en una barra libre de wah wah y distorsión, donde el volumen esta demasiado alto haciendo que los altavoces retumben de dolor. Una locura que lo mismo mete en el mismo saco a Blue Cheer, Sir Lord Baltimore, o krautrock.

Mellow One es todo menos meloso. Un álbum donde la distorsión se vuelve el cuarto miembro de la banda. Donde los cánticos de Nanjo son casi existentes, son sombras sin un objeto, reverberaciones con poco contenido. Un álbum que no solo muestra el amor de estos japos por el volumen sino por todo los excesos musicales que el rock duro tenia que ofrecer.

J. A. Caesar

 J. A. CAESAR

KOKKYOU JUNREIKA (Victor, 1973)

Kokkyou Junreika es el segundo álbum y el más celebrado de la amplia discografía de J A Caesar, seudónimo que usa el compositor con base en Tokio Terahara Takaaki, aunque también se ha deletreado J A Seazer. Takkaki ha estado activo componiendo para varios proyectos teatrales y cinematográficos desde de los setentas. La música que contiene el álbum es una mezcla de rock progresivo, música tradicional japonesa de teatro, y música zeuhl. La grabación original del álbum duraba unas cinco horas pero la discográfica, Victor, exigió que se redujera a la duración de un LP. Por lo que Kokkyou Junreika se puede considerar un “Lo Mejor de” de esas grabaciones con un resultado majestuoso, lleno de cánticos imperecederos, mantras budistas, invocaciones celestiales y guitarra de fuzz apuntalada por los drones del órgano eléctrico de Caesar y las sobrecogedoras voces femeninas de Yoko Ran, Keiko Shinko y Seigo Showa.

En Kokkyou Junreika podemos encontrar dos tipos de composiciones: 5 temas de orientación anglosajona de rock psicodélico y proto-metal donde se encuentran las influencias de bandas como Pink Floyd, Black Sabbath o King Crimson, y cuatro temas más largos que se acercan más al krautrock y a la música Zeuhl de Magma.

El primer corte del CD es “Echigo Tsutsuishi Oyashirazu”, un rock rock progresivo que resulta un cruce entre Black Sabbath y King Crinsom. Sigue “Tenshoutan” que entra con un suave coro épico acompañado de una flauta y una voz femenina recitando en japonés. Hacia los dos minutos se cambian la flauta por la guitarra bajo y batería, un rock progresivo en la onda de unos King Crimson. Con “Haha Koishiva Sangoshou” vuelven al rock duro, metal a lo Black Sabbath, pero le falta consistencia. Como un cocido en donde la salsa esta demasiada aguada. “Kyoujo Bushi” es un instrumental con un órgano que recuerda a los Pink Floyd de la era A Saucerful of Secrets. Hay unos cánticos y voces femeninas que crean una atmósfera dionisíaca. Con “Eimei Shihen” siguen bajo las influencias psicodélicas de Pink Floyd de la era inmediatamente post-Barret. Hay una voz que grita en japonés que desconcierta, dando al tema una atmósfera de inquietud y suspense.

Con “Wasan” J.A. Caesar da paso a las composiciones más atmosféricas y extasiadas del álbum. “Wasan” es un tema épico que va en progresión. cantos celestiales y extasiados, atmósfera en crescendo acabando en un puro frenesí. Realmente sublime. Sigue “Jinriki Kikiuki No Tmae No Enzetsu Souan”, una composición que empieza con una voz mencionando los países en inglés de una manera fría, como en la presentaciones de unos juegos olímpicos, para luego entrar una voz masculina en japonés que va en crescendo musical y coral pero la voz mencionando los países continua creando una atmósfera entre inquietante y de éxtasis. Para mi el tema más preciosista y logrado del álbum. Mucha belleza. “Minkan Iryou Jutsu” el tema más largo del álbum con mas de 11 minutos de duración. Aquí nos encontramos ante una suite experimental y atmosférica que empieza con un ritmo suave de bajo y batería, entrando después un órgano a hurtadillas y lo mismo pasa con unas voces féminas un rato después. Un tema con una atmósfera de suspense y hasta algo fantasmal. El álbum lo cierra “Ootori No Kury Hi”, otra composición de cánticos celestiales y extasiados con atmósferas en crescendo y recordando a la música zeuhl de Magma. Y otro de los momentos mágicos del álbum.

Kokkyou Junreika es un álbum que tiene momentos brillantes. No convencerá a los más aferrados a los tres acordes pero para aquellos que gusten de música épica y atmosférica a lo krautrock y Magma será todo un deleite.  

Noise / Music: A History

NOISE / MUSIC A HISTORY

por

PAUL HEGARTY

En su libro Noise/Music: A History, el filósofo y catedrático Paul Hegarty examina el fenómeno noise (“ruido” en inglés) como música. Buscando respuestas en las obras de afamados críticos culturales como Jean Baudrillard, Georges Bataille y Theodor Adorno, Hegarty intenta responder a preguntas sobre lo que es noise mientras que traza al mismo tiempo su historia desde principios del siglo XX a través de movimientos vanguardistas como la música concreta, el free jazz, el punk, y el noise japonés.

Hegarty empieza argumentando que el concepto de noise se convirtio en algo indeseable entre las elites musicales del siglo XVIII cuando la aristocracia llevo la música a sus palacios creando una separación entre ellos (los que están fuera), y nosotros (los de dentro). De aquí el autor nos lleva a una excursión densa, aunque rápida, por momentos importantes en al evolución del noise dentro de la música, cnetrandose en referencias tan importantes como los futuristas italianos, la tecnología de grabación, Fluxus, John Cage, Merzbow y hasta el hip-hop.

Hagerty considera un momento importante en la introducción de noise como parte de la música cuando Eric Satie con su obras de pianos tranquilos se rebeló contra la complejidad de la música clásica de finales del siglo XIX y principios del XX. Pero considera el “4'33”” de John Cage el momento clave cuando el compositor conscientemente incluye noise en su composición al hacer que la audiencia pase durante 4 minutos y medio en silencio escuchando los sonidos accidentales que hay en la sala (el público, toses, zumbido de los altavoces). Hagerty estima que noise ha evolucionado más allá de ser simples investigaciones y travesuras de innovadores como Cage o Stockhausen, convirtiéndose en un recurso y en una filosofía estética, desde los barbudos de la improvisación a los nihilistas del negro riguroso. El libro lleva al final un discografía seleccionada que debería satisfacer tanto al curioso como al entusiasta del genero más acérrimo.

Cualquiera que sea un oyente inquieto necesita el libro de Hagerty. Noise/Music: A History no es una historia de pop, es una investigación académica con un sabor postestructuralista, una lectura informativa pero no particularmente divertida, a no ser que leas a Derrida para divertirte. 

Keiji Haino

KEIJI HAINO

THE 21ST CENTURY HARD-Y GUIDE-Y MAN (P.S.F. Records, 1995)

Keiji Haino: voz, zanfona

The 21st Century Hardy-y Guide-y Man es la primera entrega de la trilogía en la que Haino experimenta con la zanfona, un instrumento medieval con el que aparece en sosteniendo en la portada del CD, los otros son Even Now, Still I Think editado por Tokuma en 1998 y Koitsukara Usetaitameno Hakaragito por P.S.F. Records en 2008. Al parecer Haino siempre ha sido un aficionado a la música medieval y era cuestión de tiempo que el artista se atreviera a hacer algo con este instrumento, ya que la zanfona permite combinar varios drones creando efectos de varias texturas a la vez.

El álbum contiene cuatro temas de noise de una duración entre siete y 28 minutos. Los cortes no tienen títulos y la información que contiene el libreto del CD es en japones. Al parecer Haino toca la zanfona con las cuerdas cambiadas, no tengo más información al respecto, pero el resultado es un intenso y electrificado drone que parece un enjambre de guitarras eléctricas y con la intensidad orquestas de la música minimalista microtonal. The 21st Century Hardy-y Guide-y Man no es un álbum de rock, es un album vanguardista en el que las cuerdas de la zanfona gimen y chirrían la mayor parte del tiempo, aunque también se pueden escuchar los pellizcos y golpeos que Haino da al instrumento.

The 21st Century Hardy-y Guide-y Man contiene la atmósfera de misterio que Haino consigue con sus creaciones pero muestra al artista su lado mas sensible y musical.

Tokyo Flashback: P.S.F Psychedelic Sampler

 VARIOS ARTISTAS

TOKYO FLASHBACK (P.S.F. Records, 1991)

Primer volumen de la serie de recopilaciones del sello P.S.F. Records, con 8 bandas, ya clásicas de la escena underground de Tokio, y más de 68 minutos de musica/noise fuera de convenciones. La portada es una foto en blanco y negro de la tienda P.S.F. Records en el distrito de Setagaya-ku de Tokio. En la foto aparece semi oculto detrás de un pila de vinilos Ken Matsutani de Marble Sheep. El pequeño libreto que viene con el CD la mayoría de la información es en japones por lo que nada se de los temas que contiene.

Tokyo Flashback lo abre Marble Sheep & the Run-Down Sun's Children con “22 February, 1991”. Un instrumental de distorsión psicodélica repetitiva pero en crescendo Desconozco si este tema aparece en alguna otra entrega de la banda.

Les sigue High-Rise con “Mainliner”. Una bomba grabada en directo de este power trío de más de 10 minutos donde la guitarra de Narita se desboca pero la sección rítmica se muestra segura y firme. La versión en estudio aparece en su álbum Dispersion de 1992.

Después de la tormenta eléctrica de High Rise nos llega la calma folk psicodélico de Ghost con “Tama Yura”. Un tema hipnótico de atmósfera oriental. No tengo noticias de que este tema haya aparecido en otra parte.

Muy diferente propuesta es la de Fushitsusha con un tema con título en japonés. Martillazos de noise/distorsión y repetición, con los gemidos/canto marciales de Haino como un sargento enfurecido. No he conseguido encontrar este tema en en las otras entregas que tengo de la banda.

White Heaven aportan “Blind Promise (alternate take)”. Una toma alternativa al tema que aparece en su primer álbum Out de 1991. Rock psicodélico con el sonido más occidental del lote pero no por eso menos interesante.

Y a continuación viene lo que para mi es la joya del álbum: Verzerk con tema con título en japonés. Un tema que empieza con un riff casi de blues distorsionado machacón y muy heavy. Después de cinco minutos machacando el trío se acelera en un desmadre que acaba unos dos minutos después. Verzerk fue un proyecto que duró poco tiempo y en sus filas estaban N. Yoshimoto que también había pasado por Ghost y White Heaven a las voces y bajo, K. Hagiwara de White Heaven a la guitarra y S. Konno que venia de Marble Sheep a las voces y batería. Que yo sepa sólo grabaron este tema.

Les siguen Kousokuya con tema con el título también en japonés. Voz, bajo y guitarras corrosivas, de atmósfera desesperante. En los últimos dos minutos se mete la batería que mas que marcar ritmo es golpeo libre. Desconcertante e hipnótico. No he encontrado este tema en ningún otro disco de la banda.

Keiji Haino con tema con título en japonés. Si en Fushitsusha Haino se lanzaba a una orgía de distorsión, en este tema en solitario solo utiliza sus cuerdas vocales en forma de gritos, aullidos y melancolía. Este es sin duda el corte más difícil del álbum. Igual que grabar a un loco en un parque.

La primera entrega de la serie Tokyo Flashback es una gran muestra para introducirse en el cosmos de la música underground japonesa que desde finales de los ochenta esta jugando un papel muy importante en la exploración sonora más vanguardista.  

Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O.

ACID MOTHERS TEMPLE & THE MELTING PARAISO U.F.O.

MYTH OF THE LOVE ELECTRIQUE (Riot Season, 2006)

Tsuyama Atsushi: bajo [Monster], guitarra acústica, performer [Cosmic Joke]

Emi Nobuko: batería, performer [Whisper]

Koizumi Hajime: batería, percusión, performer [Sleeping Monk]

Ichiraku Yoshimitsu: batería, performer [Kenospstick]

Higashi Hiroshi: guitarra eléctrica, sintetizador, bajo, voces, performer [Dancin' King]

Kawabata Makoto: guitarra eléctrica, violín, tambura, electrónica [Cosmic Ringmodulator], sintetizadores, órgano, clavecín [eléctrico], electrónica [Rds900], voces, performer [Speed Guru]

Magic Aum Gigi: arpa de boca, guitarra eléctrica, voces, performer [Erotic Underground]

Mano Kazuhiko: saxofón

Suzuki Chisen: voces

Cotton Casino: voces, sintetizadores, guitarra acústica, performer [Beer & Cigarettes]

Wellens Johan: voz [Cosmic Narration], performer [Freak Power]

Ginestet Audrey: voz, performer [Cosmos]

Grabado entre mayo y julio del 2000. Apareció por primera vez como doble LP por Static Caravan / Resonant en febrero del 2001. La portada es una delicia erótico psicodélica con el dibujo de un ojo donde la retina esta formada por dos mujeres desnudas abrazadas. La contraportada aparece una foto de la banda en directo y en el interior hay fotos con efectos psicodélicos de los músicos.

Con la formación de 12 personas en Absolutely Freak Out (Zap Your Mind!!)Acid Mother Temple & The Melting Paraiso U.F.O. Aportan todo un alijo de música tan mágica y exasperante que un único disco no fue suficiente. Dos horas de freak outs incluso más extraños de lo que nos tienen acostumbrados estos japos.

“Star Child Vs Third Bad Stone” da entrada al primer CD con una guitarra que parece y desaparece pasando de un bafle al otro continuamente y terminando en una explosión. Como el zumbido de una mosca que va de una lado a otro de la habitación hasta que consigues aplastarla de un golpe. “Supernatural Infinite Space / Waikiki Easy Meat” es un corte de casi de casi 20 minutos que empieza con un largo y espaciado drone con sabor oriental, un simulacro de batería aparece para sacarnos de la inercia en la que AMT nos había metido, pero es un espejismo. El tema es todo un enorme drone a lo krautrock que hacia el final se relaja metiendo un saxofón jazzy algo hortera, por que no decirlo, y efectos espaciales. “Grapefruit March / Virgin U.F.O. / Let's Have A Ball / Pagan Nova” es otro tema que pasa la marca de 20 minutos. Empieza con un drone en el que se escuchan cantos tribales y unos tambores militares con efectos sonoros juguetones. Hacia los cinco minutos todo se tranquiliza en unas voces para paso seguido estallar en un agujero de cacofonía que se va convirtiendo en un argayo de guitarras wah wah, efectos sonoros, cada cual más extraño, que lo va tragando todo. Cierra el CD1 “Stone Stoner” de 16 minutos y medio. Más efectos de guitarras distorsionadas y sonidos espaciales que se hace demasiado largo.

“The Incipient Light Of The Echoes” se encarga de abrir el CD 2. Consiste en una voz repitiéndose y unos bucles de sintetizadores, Un tema atmosférico, recuerda algo a Tangerine Dream, y arriesgado. Todo un reto a la paciencia del oyente, pero tiene su recompensa. “Magic Aun Rock / Mercurical Megatronic Meninx” con siete minutos y medio es el tema más corto de Absolutely Freak Out (Zap Your Mind!!!). Empieza con una voz distorsionada balbuceando, para al poco tiempo entrar una furiosa guitarra distorsionada y desbocada, con la batería abriéndose paso entre la cacofonía. El tema que tiene una similitud en su estructura al “Tapes” de Faust, parece haber sido hecho de diversos cortes unidos. “Children Of The Drab / Surfin' Paris-Texas ' Virgin U.F.O. / Feed Back” es el corte más largo del álbum, con sus 24 minutos y 35 segundos, y la cima creativa de este álbum. La canción empieza con un blues muy lento y pesado, con algunas reminiscencias al “Echoes” de Pink Floyd, la vocalista Cotton Casino vocalizando a lo Yoko Ono y una guitarra que esta al acecho amenazante. Después de construirse y fundirse varias veces, la banda lanza toda su agresividad durante poco más de dos minutos que pasados vuelven a otra sección adormilada. El tema es asombroso en su construcción y desorientador en su ejecución. Cierra el álbum “The Kiss That Took A Trip / Magis Aum Rock Again / Love Is Overborne / Fly High” son casi 20 minutos. Empieza con una voz infantil muy modulada y los efectos espaciales de costumbre pero es lo más agradable de todo el álbum, un descanso al monstruo sonoro de los cortes anteriores.

Absolutely Freak Out (Zap Your Mind!!!) es un álbum donde Kawabata y cía abandonan el formato rock de previas entregas, quedándose solamente con lo psicodélico. No el mejor álbum para iniciarse en el mundo de la banda pero, si encuentras que es para ti, es una de sus más logradas entregas.  

Aural Fit

 AURAL FIT

LIVESTOCK (Slant Eye Archive, 2004)

Mondo Bohachi: guitarra

Lewis Inage: bajo

Yuki Kurosaka: batería

La primera vez que tuve noticias de Aural Fit fue en la recopilación Tokyo Flashback 5. de P.S.F. Records e inmediatamente me puse a buscar información de este power trío con base en Tokio de la banda. Ni sin mucho tardear me hice con Livestock, su primer álbum, autoeditado en el 2004 en formato CD. Un álbum de guitarras y ritmos pesados. No tiene caja, sino que una funda de plástico protege la portada que es un póster con un collage monocromático en forma de cuartilla A3. Livestock fue grabado en directo con un equipo tan pequeño como su música distorsionada a todo volumen lo permitía.

El álbum contiene cinco canciones y la que le da entrada es “Nightmare of Colonel Kurtz”, una pesadilla de cacofonía guitarrera. Tema musical, como el resto, en el que hay algunos gritos pero la distorsión es la que ordena y manda. En la misma onda y sin descanso aparece “Obidience”. Tema con un bajo machacón de dos notas muy blues pero visto por unos psicópatas de los excesos sonoros. “Slant Eyes” entra con un rasgueo de guitarra medio suave y parece que Aural Fit nos va a dar algo de descanso a tanta brutalidad sonora. Pero todo es una ilusión. Poco a poco el volumen y la intensidad suben, de forma repetitiva, hasta que la guitarra estalla en un chorro de notas de distorsión largas y orgiásticas. El álbum continua con “Stuffed Men”, mi tema preferido y cuyo empiece me recuerda a unos Sonic Youth de los ochentas con esos riffs de guitarras jugueteando entre ellos. Luego la distorsión desencadenara y las comparaciones con la banda neoyorquina se quedan sólo en el gusto de ambas bandas por los excesos sonoros. Para cerrar la banda nos tiene preparado un tema puro de free rock que no da tregua en todo lo que dura.

Livestock es enfermizamente heavy. Canciones que tienen sus raíces en el blues pero al que estos mendas lo prenden fuego a base de volumen y distorsión y después lo hacen añicos a través de capas de bramidos guitarreros, convirtiéndolo en una psicodelia cruda, en una cacofonía de jams infernales muy en el cosmos de unos Acid Mothers Temple. Una banda no apta para los delicados del corazón.

Les Rallizes Denudés

LES RALLIZES DENUDÉS

LE MARS 1977 A TACHIKAWA (Over Level, 2003)

Mitutani: voz, guitarra solista

Nakamura Takeshi: guitarra eléctrica

Hiroshi: bajo

Mimaki Toshirou: batería

Le 12 Mars 1977 a Tachikawa es un pirata publicado por el sello francés Over Level del legendario álbum autopublicado en 1991 Live '77 . Les Rallizes Denudés fue una de las primeras y más influyentes bandas japonesas del psyco/noise, y según muchos la banda más underground de todos los tiempos, no solo por su política radical y su oscuro pasado, sino que aunque la banda estuvo en activo unos 30 años solo dieron conciertos esporádicos y grabaron su material principalmente en directo, o mejor dicho sus amigos/ seguidores les grabaron, ya que la inmensa mayoría de álbumes que encuentras de ellos en las tiendas/internet son piratas. Llegaron a grabar algunos temas en estudio en la década de los sesenta pero parece ser que Misutani no le gustó ver lo limitada que sonaba su voz si no estaba fuertemente distorsionada.

La música de LRD se caracteriza por una sencilla y repetitiva linea de bajo, una increíblemente ruidosa guitarra, una voz dando gemidos, y profundas melodías. Le Mars 1977 a Tachikawa es quizás su grabación más conocida y el mejor donde empezar a experimentar la turbadora e inspiradora propuesta de la banda. Para muchos este álbum es la pieza maestra de LDR e incluso el no va más del nosie psicodélico japonés. Un doble CD de intenso feedback, enorme distorsión, grandiosa reverberación, voces frías, un poderoso bajo, psicodelia y experimentación por los cuatro costados. A pesar de tener cortes largos de entre 8 minutos y más de 25, nunca pierdes contacto con la estructura de la canción todo gracias a que la repetitiva y sencilla linea de bajo de Hiroshi hace de ancla a todas las embestidas de la guitarra de Mitutani, como un perro furioso encadenado, asusta y amenaza, ladra rabiosamente pero esta sujetado por una robusta cadena.

El primer tema del CD1 es “Enter the Mirror”, un tema de folk-noise-rock que empieza titubeante, una linea de bajo de dos notas que llega a recordar a la Motown y una guitarra con un riff que va creciendo hasta que lo engulle todo. Le sigue “Night of the Assassins”, una canción con un tempo más rápido y un volumen bestial. Es como un enorme y furioso tsunami de feedback. “Flames of Ice” continua en la misma onda. Es algo más lento, pero lo que pierde en tempo lo gana en pesadez. “A Memory Is Far” es otro tema de folk-noise-rock que aunque no llega a la altura de “Enter the Mirror”, es todo un pedazo de canción.

EL CD2 empieza con“Deeper than Night”, otro tema pesado, maravilloso de principio a fin. “Night Harvesters” con sus ocho minutos es el corte más crudo, rápido y destructor del álbum. Un canción terrorífica. El álbum lo cierra “The Last One” un monstruo de 25 minutos, con unas guitarras rugiendo a tal volumen que a duras penas lo soportan los auriculares.

Le 12 Mars 1977 a Tachikawa es un álbum con un sonido sonido sucio y con fallos. Es crudo, pero llega al corazón y a la mente. Es un diamante en bruto, pero un diamante enorme y extraordinario. A poner entre lo mejor de Velvet Undeground, Can, Amon Duul II o Ash Ra Temple.

Ainotamenishis

AINOTAMENISHIS 

LIVE 478 (Holy Mountain 2007)

Gento: voz guitarra

Adam: guitarra

Mempis: batería

Live '418 es el primer álbum de Ainotamenishis, un trió con base en Tokio, y la única entrega que tengo noticias de ellos. El álbum inicialmente lo autoeditó la banda en formato CD en 2006, pero en el 2007 el sello norteamericano Holy Mountain lo publicó en vinilo. En la portada aparecen los miembros de Ainotamenishis en blanco y negro en un plano de cerca, con la carpeta blanca. El álbum venia con una pegatina en la funda de plástico que pone “viciosa no-wave psicodélica de principio a fin” que es una muy buena descripción del sonido que proponen estos mendas. Según dicen los créditos de la contraportada, Live '418 fue grabado en una toma en un estudio el 18 de abril de 2006.

El álbum contiene 9 canciones y después de un grito guerrero, pretendiendo simular público, entra la primera, “Theme”, un tema de guitarras cortantes y ariscas, sonidos primitivos y asonantes. Este mismo tratamiento recibe “I Don't Smoke It” que acaba con el cantante y la batería en un duelo de locos. ”Shitokinayo” es un tema que casi se puede decir que es de corte clásico si no fuera por el tratamiento crudo, crudísimo que le da el trío. Cierra la cara A “I'll Slice You Up”, tema muy breve arritmico y arisco.

La cara B empieza con “On The Cross”, tema que de acuerdo en los créditos esta grabado en una sesión diferente al resto de los cortes. Tiene un tempo más pesado pero las disonancias siguen ahí. “Speed Complaint” recoge el testigo donde lo dejó la canción anterior pero más asonante y caótica. Con “The Heart Song” entramos en la parte pausada y melodiosa del álbum. Este tema como el que le sigue, “Rain”, son ambos semiacústicos al que la instrumentación del trío se les une un violonchelo. “Fin” cierra el álbum con la banda volviendo a las guitarras aridasy cortantes.

Live '418 es un disco que fundirá tu equipo. Un ruido que viene del punk más primal y arisco, pero a diferencia de muchas bandas con una propuesta similar, sus guitarras parecen estar bien ensambladas, su energía esta siempre al máximo nivel, y no recurren a esa histeria forzada que muchas veces arruina este tipo de noise rock.   

Melt-Banana

MELT-BANANA

CHARLIE (A-Zap Records, 1998)

Yasuko Onuki: voz

Ichiru Agata: guitarra, sintetizadores

Rika Mm: bajo

Charlie es el tercer álbum de la banda de Tokio, y el primero que sacan en su propio sello A-Zap Records. El título viene de la película de Ralph Nelson de 1968 Charly, que esta basada en la novela Flores para Algernon de Daniel Keyes. La portada tienen dos partes: a la derecha hay una foto de un rapado al que han puesto unos dibujos abstractos como de tiras de plastilina sobre ellas, y en la izquierda esta el nombre de la banda y los temas del álbum en varios tonos de azul con el fondo negro. En Charlie aparecen como invitados en diferentes canciones Mike Patton, Trevor Dunn, William Winant, Greeg Trukington y otros músicos en diferentes cortes.

El álbum tiene 14 cortes, siete por cara, de noise punk en el que estos mendas de Tokio parecen estar tocando pasados de revoluciones. En Charlie Melt Banana continuan la apuesta que hacían en sus dos primeros álbumes y que aquí consiguen llevarla a su cima; ese sonido esquizofrénico y lleno de adrenalina muy a lo Atari Teenage Riot, de unos primeros Boredoms o incluso a unos Ruins. Las guitarras siguen con unos riff de ametralladora, la batería sigue golpeando a toda pastilla, y por encima sigue la voz chillona de Agata escupiendo dardos envenenados que junto a los juguetones efectos de sonido y los cambios de intensidad y ritmo hacen que su música no caiga en la repetición pero que a su vez mantenga un estilo inconfundiblemente suyo.

Odiales o adórales, con Charlie los Melt-Banana demostraron que estaban para seguir fundiendo plomos por mucho tiempo. 

Speed Glue & Shinki

 SPEED GLUE & SHINKI

EVE (Atlantic 1971)

Joey Smith: voz, batería

Masayoshi Kabe: bajo

Shinki Chen: guitarra

Eve fue el primer álbum y el único que saco la formación original del trío nipón. Fue editado en 1971 por el sello Atlantic, aunque ha sido reeditado numerosas veces por varios sellos, la última vez por Phoenix Records en 2010. La edición que yo tengo es la de Erubus Records de 2008. Eve contiene 7 canciones de blues rock setentero crudo y primitivo. La portada del álbum es una foto monocromática con tres colegialas de finales siglo XIX o principios del XX. El CD viene acompañado libreto con una pequeña biografía de los músicos y bandas, así como las letras de las canciones.

El primer tema es “Mr, Walking Drugstore Man”, un tema de rock blues pesado y primitivo con la voz de Joey distorsionada hablando de su camello de anfetas. Le sigue “Big Headed Woman”, otro blues rock sin complejos que recuerda al “Rumble” de Link Wray con toques Zeppelianos y que trata de esta chica que fuma toda la hierba de Joey para luego pasarse la noche con otro hombre. “Stoned Out Of My Mind”otro tema que trata de drogas, en este caso de Joey pasado de anfetas. Sigue siendo un blues rock pero mucho menos letárgico y más directo. En “Ode To The Bad People” el sonido se vuelve más rock y el mensaje pasa a ser el de la típica utopia hippy de largarse a alguna comuna para ser libre. “M Glue”es un instrumental con solo bajo y algunos efectos de sonido. Con “Keep It Cool”la banda vuelve al blues rock de culo prieto de los primero cortes. Y cerrando nos encontramos con” Someday We'll All Fall Down” una tema de guitarras acústicas y sabor Dylaniano.

Eve es uno de esos discos que necesitas tener en tu colección si lo tuyo es ese sonido psycho de los sesentas y principios de los setentas cargado de drogas. Un disco primitivo y crudo que se aprecia más a más que le escuchas.  

Fushitsusha

FUSHITSUSHA

ORIGIN'S HESITATION (P.S.F. Records, 2001)

Keiji Haino: voz, batería

Yasushi Ozawa: voz, bajo

Después de varios años sacando discos en otros sellos discográficos, Fushitsusha vuelve a P.S.F. Records para sacar un álbum que es toda una ruptura con el noise de guitarra característico de la banda de Haino. Después de la marcha del batera Ikuro Takahashi en el 2000, Fushitsusha continuaron tocando como duo con Haini poniéndose a tocar en ocasiones la batería él mismo. Y en 2001 la banda decidió sacar un álbum con este formato: Haino a la batería y Ozawa al bajo, sin guitarra. Resultado: música que poco o nada tiene que ver con el rock y mucho con la música concreta. La portada no varia del clásico diseño que utiliza la banda, completamente negra con el nombre de la banda en japonés en letras plateadas. Al CD le acompaña un libreto en japonés con bellas fotos monocromáticas de Haino y Ozawa.

Origin's Hesitation empieza con una granizada de batería y gemidos que parece tener a tres o cuatro baterías aporreando y a varios Hainos gimiendo simultáneamente. Y es que este corte como todo el álbum, ha sido grabado con capas de loops (nada de overdubs para el clan de Haino). El resto del álbum es un vasto despliegue que va desde simples golpes de batería con acallados toques de bajo, a gritos desesperados y largas pausas de completo silencio. Desde agudas y solitarias notas de bajo y voces apagadas a fragmentos de melodía y oleadas de percusión, todo empaquetado en 6 cortes con una duración de entre 5 a casi 24 minutos.

En un principio puede parecer que Origin's Hesitation es un trabajo en solitario de Haino en la onda de Tensi No Gijinka, donde John Zorn grabó a Haino usando solo su voz y la batería. No obstante, una vez que escuches el sutil y grave gorgoteo del bajo de Ozawa amarrando las voces y percusión sueltas de Haino, verás que el resultado esta dentro de la dinámica de Fushitsusha.

Un álbum difícil que no es para todo el mundo, ni siquiera para todos los seguidores de Fushitsusha. 

Love Life Live + One

LOVE LIVE LIFE + ONE

LOVE WILL MAKE A BETTER YOU (King, 1971)

K. Ichihara: saxofón, flauta

T. Yokota: flauta, sop, saxofón

T. Naoi: guitarra (E)

K. Mizutani: guitarra (E)

H. Yanagida: piano, órgano Hammond

C. Terakawa: bajo (E)

C. Kawachi: batería

N. Kawahara: latín

A. Fuse: voz

Love Will Make A Better You fue el único álbum que sacaron Love Live Life + One. Fue originalmente editado en 1971 por King Records en una edición muy limitada, aunque ha sido reeditado varias veces desde entonces, la última de la que tengo noticia es la de Phoenix Records en 2010. Estamos ante un álbum psicodélico con influencias en el blues y el free jazz pero con inclinaciones vanguardistas y prog. La portada es una imagen negativa con una figura humana que parece estar enfrente de unas partituras en posición de dirigir a una banda con el fondo blanco, nata de retoques y artificios, al igual que la música.

La cara A la ocupa el tema “The Question Mark” de 18 minutos. Un corte que empieza con Fuse proclamando que es “Un ser humano” con juguetones platillos de fondo, para poco después entrar una guitarra estridente y con la instrumentación jugueteando hasta que el bajo empieza a marcar un ritmo al que se le van añadiendo la batería, guitarra y voz. Y sin verlo estas ante un corte de free rock con Fuse berreando a lo James Brown por encima de la acida y estridente guitarra solista. Hacia el final hay un solo de saxo a lo free jazz y todo se apaga apareciendo la flauta y Fuse volviendo a repitir variaciones de “Soy un ser humano”. Soberbio.

La cara B consiste en cuatro cortes menos radicales y vanguardistas. Comienza con “Runnin' Free”, un tema de rock psicodélico meloso con la flauta dominando por debajo de una voz proclamando “Siempre libre”. Le sigue el corte que da título al álbum “Love Will Make You Better” un blues rock a lo Cream o unos Blue Cheer menos pasados. Shadows Of The Mind” es un corte épico de casi nueve minutos con una orquestación de free jazz, con la sección de viento siendo la que coge el protagonismo que recuerda en momentos a Sun Ra, y con un solo de guitarra sorprendente. El álbum lo cierra “Facts About It All” un tema de R&B con Fuse volviendo a recordar a un James Brown, un tema épico que acaba cuando todo parece que va a explotar.

Concluyendo, que no te asuste el nombre pomposo de la banda y el título tan hippioso del álbum, Love Will Make A Better You es un extraordinario álbum de rock psicodélico, arriesgado, novedoso, lleno de grandes momentos y nunca repetitivo.

Knead

KNEAD

1st (P.S.F. Records, 2002)

Keiji Haino: guitarra, voz

Tatsuya Yoshida: batería, voz

Sasaki Hisashi: bajo

Primer álbum del trío de improvisación libre Knead. Se grabó en la sala Manda-la2 en diciembre del 2001. Estamos ante un CD de sonidos oscuros y no aptos para gente con el estomago delicado. La portada es tan oscura como la música. El álbum consiste en 8 temas de improvisación en lenguaje rock, que a los seguidores de Haino les resultara familiar, y con una duración que va desde los casi 18 minutos del tema que da entraba al álbum al minuto escaso del tema séptimo. Toda la literatura del libreto que acompaña al CD esta en japonés lo que no ayuda a la hora de saber algo más del trío y/o el álbum.

らしからぬ事とは　この様な事　どっちのせいで　こうなるes el tema que da entrada al álbum. Un corte de casi 17 minutos atonal de guitarra estridente y distorsionada y una sección rítmica desbocada. Hay unos cánticos operáticos por parte de Yoshida para después de un caos sonoro entrar la inconfundible voz de Haino haciendo un cántico?? repetitivo muy tribal con lo que se finaliza el tema. El álbum sigue con 廃虚に　響き渡る　「いつもと同じ」という　永遠からの言霊. La entrada suave en comparación al torbellino anterior, como en suspense. Al cabo de un par de minutos entra la voz de Haino y todo se vuelve en una cacofonía que va en aumento a medida que avanza el tema. Corte de sonidos casi atmosféricos con notas sostenidas donde no hay nada de los golpes de guitarras angulares y cortantes del tema anterior. 「これだけが正義」と言い切る　奴と同じ空気を吸っているなんて es otro corte de unos 7 minutos. La entrada es pura cacofonía, con el trío a todo maquina. De repente todo se ralentiza y la guitarra estridente de Haino mantiene unas notas distorsionadas para paso seguido volver la cacofonía. 自分がどっちに傾いているか　確かめてごらん entra con la voz de Haino recitando y el bajo y batería jugueteando a semi escondidas. Después Haino empieza a repetir una estrofa y empieza a meter su guitarra distorsionada. Para acabar apagándose hacia el final. En 粉々になってしまう　好きに　好きに　大好きに　なると entra esta vez con las voces de Yoshida y Haino jugueteando. Haino repite un grito gutural y guerrero y los instrumentos empiezan a improvisar. Hacia el minuto 8 por unos momentos en todo se vuelve un casi riff de rock noise para casi de inmediato apagarse y volver segundos después en una cacofonía de improvisación. すべてが　同時に　同じ事を　祈ることが　出来たらいいのに tiene una entrada casi de rock. Sigue Haino con su cortante voz sobre un ritmo de bajo y batería. Orgía vocal hacia el final.もっと大好きに　なったら　どうなるtema con el lenguaje rock más claro, el punteo hasta de guitarra de Haino distorsionado es claro y hasta convencional, casi. Se corta sin previo aviso. Cierra el álbum 舞い降りてくる　次の気配は　そして　どのように　練られるのか？　君とは　どういう　関係になる con una entrada de la guitarra de Haino cortante y distorsionada. Volvemos a la libre improvisación. Después pasamos en un vocabulario más de rock para acabar en un estruendo con los tres desbocados al más puro estilo heavy.

1st no es un CD fácil de escuchar pero aquél que persevere se llevará su recompensa.