3/3

Sanbun No San (autoeditado 1975, P-Vine Records, 2007)

Reck – Guitarra, voz

Higo Hiroshi – Bajo

Chiko Hige – Batería

Producido – 3/3

Hay un placer especial cuando descubres un disco de alguna banda de la que nada sabias y que resulta que forma parte de la historia de alguna banda que te pone. Un ejemplo es Sanbun No San de 3/3, banda efímera que fue el embrión de la banda japo de postpunk Friction.

La banda se forma a raíz de la salida de de Reck, Higo Hiroshi y Chiko Hige del combo experimental ◯△▢ (Maru Sansaku Shikaku), encargándose el primero de la voz y la composición de temas.

3/3 sacaron solamente un álbum en 1975, que tuvo una tirada de 15 copias para promocionarse entre las discográficas para ver si les interesaban. Pero tranquilos que no tenéis que pelearos por una de esas 15 copias. El sello japonés P-Vine ha sacado varias reediciones del álbum, la primera en 2007, y más recientemente, en 2019, en vinilo.

Sanbun No San es más bien una grabación en directo sin público que un álbum de estudio. No hace falta decir que el sonido es crudo y, si le añadimos las influencias stoogianas, no es difícil que bandas protopunk de Cleveland, como Simply Saucers o Rocket From the Tombs, se nos vengan a la cabeza.

El álbum original esta compuesto de 7 temas grabados en varias sesiones durante 1974. En la mayoría de los cortes dominan las guitarras excesivas y alocadas, que recuerdan a unos Stooges de la era del Raw Power en adelante. La excepción a la norma la pone el tema que cierra el álbum. Un tema lento y espaciado que bebe de unos Velvet Underground del tercer álbum.

Los dos bonus de esta edición no añaden demasiado a lo ya visto. El primer tema es una versión acortada del tema que abre el álbum original, y el otro es un instrumental de más de 15 minutos que se hace muy largo y que lo único mencionable es un riff que recuerda al de My Pal de los australianos God.

3/3 se disolvieron al poco tiempo de salir Sanbun No San. Reck y Hige se mudaron a Nueva York por un tiempo tocando con bandas de la No Wave, James Chance & the Contortions y Teenage Jesus & the Jerks. En 1978 volvieron a Tokio y formaron Friction, pero eso es otra historia.

La edición de P-Vine también tiene un CD extra compuesto de grabaciones en directo que la banda dio a su vuelta de Nueva York junto al guitarrista Atsuhiko Ando con el subtítulo Live Performaces by Pre-Friction.

 

UP-TIGHT

Early Years (Archive, 2007)

Tomoyuki Aoki – voz y guitarra

Takashi Shirahata – batería

Kazuhiro Nakanishi – bajo 1-5, efectos [eco]

Yoshifumi Kira – bajo 6-7

Producido por Up-Tight

Up-Tight es una de esas bandas japonesas que siguen la estela de Les Rallizes Denudes, distorsión, distorsión y más distorsión. Menos duros y más melancólicos si les comparamos con LRD, aunque con un sonido más variado. Si les comparamos con otras bandas post-LRD, como Suishou no Fune o LSD March, Up-Tight son para mi los que suenan los más occidentalizados. Su sonido es más pirotécnico, más rock.

Up-Tight perecen estar todavía activos, aunque las últimas grabaciones de las que tengo noticias es un “Live in Europe” de 2018, y si buscamos grabaciones en estudio tenemos que irnos al 2013 cuando salieron 2 álbumes compartidos, uno con la artista germana Mama Baer, y otro con un tal Niwa que desconozco por completo.

Pero vamos al CD que tenemos en manos. Early years es la la reedición por el sello aRCHIVE del primer álbum de la banda de Hamamatsu. Album que fue autoeditado allá por 1999. En esta reedición se añaden dos grabaciones de 1994, una en directo y la otra en estudio.

“Melt Rain” es el tema que da entrada al álbum. El tema empeiza lentamente, y el golpeo de la batería me recuerda a los pasos de esas procesiones de la Semana Santa sevillana que da paso a unas guitarras acidas y pesadas, ese caos sonoro al que los japos son tan dados.

Sigue “L'stranger” cuyo empiece me recuerda al de “The Dark Side of the Moon” de los Pink Floyd. Y sigue el patrón por el que se rigen casi todos los temas del álbum: Empiece lento que va cogiendo ímpetu, guitarras en crescendo lento, instrumentación espaciada.

“I'm just a dreamer” y “Never Come Morning” sigue el mismo patrón, aunque la última no estaría de mal como banda sonora de un spaghetti western en el que los cowboys estén puestos hasta arriba de LSD.

“No Title” es para mi el tema estrella del álbum. Un tema de más de 17 minutos de duración con una entrada bestial de guitarra. Sin rodeos. Un rimo pesado, continuo, machacón. Guitarra desbocada. Psico-rock en su expresión más sublime.

Los temas extras de esta edición son ”King of Ice”, un tema grabado en directo en Tokio y “Shinning the Red” grabado en un estudio. La estructura de ambos temas es lo esperado; ritmo pesado, guitarras delirantes.

Early Years hara las delicias de aquellos que gusten del space rock más triposo. Pocas veces llegaremos tan lejos en nuestro viaje.

 

SUISHOU NO FUNE

Suishou No Fume (Japanoise Records, 2005)

Oirako Kurenai – guitarra

Kageo – guitarra

Tail – Batería

Producido por Suishou No Fune

Suishou no Fune (Barco de Cristal) es un banda de Tokio cuyo el núcleo son los dos guitarristas que también intercambian en el puesto de cantantes.

Muy influenciados por Les Rallizes Denudes tanto en sonido como es estética, melena, negro riguroso, gafas de sol omnipresentes. Están más cerca de Shizuka en la búsqueda de atmósferas bellas, tristes y densas, que de las tormentas sonoras de LRD o Futshishua. Pero forman parte de ese estilo de psicodelia tan intrínsecamente japonés.

Este CD con título epónimo es el primer álbum estudio de la banda de Tokio, anteriormente habían autoeditado un CDr con material en directo. El álbum consiste en 5 temas todos ellos con una duración superior a los 10 minutos, llegando a los 18 y pico con “Black Phantom”.

Todas las canciones siguen un proceso orgánico muy similar; empiezan con rasgadas de guitarra, destellos de acordes que flotan mientras unas notas punzantes y frágiles van tomando forma lentamente. Momentos de guitarras limpias se intercalan con momentos densos llenos de distorsión.

“Into The Light” es el título del tema con el que empieza el álbum. Rasgaduras de guitarra lentas que se van entrelazando. Voces, cánticos sin un modelo o forma aparente. Las guitarras dan más intensidad a base de distorsión. No busques solos a lo Deep Purple.

Le sigue “Cherry” con una estructura más definida, más de canción al uso, y más lograda. La banda mantiene durante toda la duración del tema una atmósfera preciosista y delicada.

“ The Blue Bird, Betrayal and Freedom” incorpora batería a la instrumentación lo que aporta una atmósfera más intensa, y mas oscura. Un bajo es el anclaje a las que las improvisaciones de los guitarras. Muy a lo LRD. No tan radicales. Es el tema que define con más claridad el sonido de Suishou no Fume: canciones épicas en expansión llegando a construir un monstruo de distorsión y percusión.

En “A Little Flower” la banda intenta mantener la atmósfera sin romper en caos sonoro. Hay un momento que parece que van a por ello pero se mantienen comedidos para sus estándares.

Acaba el CD con “Black Phantom” donde vuelven a aparcar la batería, usando las guitarras como única instrumentación. Es el tema más expansivo del álbum. Guitarrazos tenebrosos con vuelta a la tranquilidad relativa. Atmósfera muy dramática, hasta tétrica. 

Esta es una música para escuchar tranquilamente en el sofá de casa, no es para ponerlo en el equipo del coche, no es este tipo de viaje.

 

ACID MOTHERS TEMPLE & THE MELTING PARAISO U.F.O.

La Novia (Eclipse Records, 2000)

Tsuyama Atsushi – Bajo, voces, guitarra acústica, grabadora

Koizumi Hajime – Batería, percusión

Kawabata Makoto – Guitarra eléctrica, violín, bouzouki, Arpa (japonesa), sintetizador

Cotton Casino - Voces

Producido por Kawabata Makoto

Con una portada de una foto en sepia manipulada en la que aparecen unos paisanos con los caretos incrustados de los AMTATMPUFO entre ellos rodeando a un burro y con el escudo de Occitania indican por donde van a ir los viajes sonoros del álbum.

En la versión en vinilo, el álbum consiste en un tema de 40 minutos y 40 segundos inspirado en un tema folclórico occitano, de hecho una canción infantil con el mismo título. Y con la melodía de esta canción la banda se embarca en un viaje fuera de las convenciones musicales, fundiendo el folk, ya sea tibetano o occitano, el rock más lisérgico uniéndose al noise más caótico, con atmósferas densas y pesadas en momentos, y pastoriles en otros (las menos). Un viaje de excesos, y que el oyente no va a olvidar fácilmente.

La cara A empieza con cánticos marcando la melodía de la canción occitana del medioevo acompañada con unos coros algo guasones, que nos lleva hasta el minuto 5. Una guitarra con acordes sueltos hace su entrada, a la que se le van uniendo otra instrumentación hasta que aparece un riff con la melodía de los cánticos de los primeros cinco minutos. A partir de ahí, hacia los 7 minutos y pico, empieza un solo de bouzouki siguiéndole una guitarra llegando a los casi 10 minutos, la instrumentación se va haciendo más densa, siendo la melodía del cántico los pilares de la construcción sonora. Nuevas tonalidades,. Nuevos instrumentos. Un violín monocorde también hace su presencia, rasgaduras del bouzouki resuenan. Hacia el minuto 15 la avalancha sonora se va apagando y la melodía en forma de riff de guitarra reaparece. Ese riff hace reflotar a la banda, la percusión enloquece, suspiros, gritos, se va construyendo una atmósfera densa, lisérgica, repetitiva y cada vez más machacona, más apoteósica, que concluye con el fin de la cara A.

La cara B empieza con el con el violín monocorde y la bouzouki marcando la melodía central, también aparece la voz de Casino cantando la melodía y una flauta, al rato se incorpora una voz oscura/triposa jugueteando entre bastidores. A los dos minutos y medio se acaba con unos acordes sueltos de guitarra y el violín monocorde dando entrada al estallido de la guitarra de Kawataba. Empieza otro viaje más intenso, más anárquico si se quiere. El riff se va diluyendo acabando en lo podría ser free jazz. Hacia el minuto 9 todo se desmorona, permanece el violín, como si fuera el ruido del motor de la nave en velocidad crucero, una juguetona flauta le da el toque infantil. Parece que hemos llegado al final del viaje, pero unos guitarrazos a forma de campanadas anuncian la buena nueva. Algunas composiciones de Glenn Branca me vienen a la cabeza. 3 minutos de campanadas después a base de guitarrazos el viaje se vuelve maquinal, hasta que aparece un riff glorioso, un riff triunfal, con la nave a todo gas. El pasaje es bellísimo, alucinante, el solo de guitarra de Kawataba, con el resto de la banda a toda máquina, van construyendo una cacofonía sublime. Al minuto 18 todo se queda en una guitarra acústica, pura, cristalina. Hay unos sintetizadores juguetones de fondo, marca de AMTATMPUFO. Y así llegamos al final del viaje.

La Novia es una de las entregas más celebradas de la extensa discografía de AMTATMPUFO, un álbum drogota, triposo, tan psicodélico como psicodélico se pueda ser. Un álbum esencial en la discografía del colectivo.

La versión en CD contiene dos temas extras:

1 – Bois-Tu De La Biere – Tema folclórico acústico de voces, violín y guitarra.

2 – Von Boyage Au LSD – Suite vanguardista de 17 minutos de instrumentación suelta y experimental.

Far East Family Band

FAR EAST FAMILY BAND

PARALLEL WORLD (MU Land, 1976)

Far East Family Band fueron una de las bandas psicodélicas/progres más interesantes de las que salieron de Japón durante los setenta, y para su tercer álbum Parallel World contaron en la producción con el mago de la electrónica del krautrock Klaus Schultze. El álbum fue grabado en Londres, en los Manor Studios de Richard Branson con la intención de conseguir un contrato con Virgin Records, pero lo rechazaron, por lo que solo se editaría en Japón con dos portadas diferentes.

La cara A comienza con “Metempsycosis” con sus tambores tribales y drones de sintetizadores que se puede considerar el preludio a los casi 16 minutos de “Entering-Times” con sus cascadas de sintetizadores espaciales que acaba con la banda a todo trapo recordando al “Set the Controls for the Heart of the Sun” de los Pink Floyd. Después viene “Kokoro”, una balada cantada en japonés que te la puedes pasar a no ser que seas de los que flipan con los discos de Triana.

La cara B consiste en la suite de 30 minutos “Parallel World”. LA suite empieza con “Amanezcan” que aporta un Moog modular y con la banda con unos ritmos psicodélicos funkeros de “Origin” y “Zen”. El resto de la suite son sonidos cósmicos que podrían rivalizar con los de Tangerine Dream en Alpha Centauri.

Pondría a Parallel World entre lo mejor de Tangerine Dream y unos Pink Floyd pre-Dark Side of the Moon. Un álbum al que si te van los sonidos cristalinos, las atmósferas espaciales del krautrock deberías al menos darle una oportunidad en tu equipo. 

Marble Sheep

MARBLE SHEEP

MESSAGE FROM OARFISH (Funfungddrierzig, 2007)

Ken Matsutani: guitarra, voz

Tak: guitarra

Rie Miyasaki: bajo

Sawada: batería

Iwamotor: batería

Creo que Message From Oarfish es el 14 álbum de Marble Sheep, la banda psyco-rock liderada por el guitarrista Ken Matsutani, si también contamos los álbumes que sacaron con el nombre más extenso de Marble Sheep and the Rundown Sun's Children. Se puede decir que en Message From Oarfish la banda utiliza elementos del krautrock, del punk rock y la psicodelia llegando a ser en muchos momentos memorables. La versión que yo tengo es la de doble vinilo que contiene cortes extras que no vienen en la versión en CD.

El vinilo 1 empieza con “Tears” un krautrock de casi 13 minutos que comienza con rasgadas de guitarra que va cogiendo forma e intensidad a base de capas de guitarras con un resultado impresionante. Un tema que no desentonaría en Neu' 75. El otro corte de la cara A lo forma “From The Centre” otra pieza psicodélica con guiños orientalistas, menos intenso que el predecesor y más juguetón con ese organillo, esos duelos de guitarras que no aparecen en el corte anterior. En la cara B nos encontramos con la parte más arisca y cruda de Marble Sheep empezando con “Mana” un rock punkarrillo. Sigue “Raise The Dead” que es totalmente punkarron. “Skull Cool” va por los mismos derroteros pero más festivo, un corte de esos para cantar a coro. Sigue el stoogiano del periodo Raw Power “Egyptian Queen”. “It's Time” es un corte intimista y juguetón. Y acaba la cara B “Savior Of Street”, un rock de corte clasicorro, lo más parecido del álbum a una balada, pero no enciendas el mechero que no es de esas.

 Los temas que vienen en el segundo vinilo no están el la versión CD, pero no te creas que por eso son desechos, sino que te recomiendo que consigas los euros para hacerte con este formato de Message From Oarfish. La cara C esta ocupada en exclusiva por “Holy Chameleon” una tremenda comunión instrumental de krautrock lento y pesado de 18 minutos de duración. Una guitarra repetitiva, atronadora y espaciada con una base rítmica de marcha funeral que crea una atmósfera entre siniestra y grandiosa. Dando la vuelta al vinilo nos encontramos con “Fear” un instrumental de órgano y samples de pajaritos cantando al final, sacado directamente del “Cirrus Mirror” de Pink Floyd. “Where Did You Come?” empieza con sonido estático pero en realidad es un duelo entre los dos bateras, corto y a la yugular. Y cierra el álbum “Hello! Hello!” un desmadre bo diddleyniano de más de 11 minutos. En su conjunto Message From Oarfish es un gran álbum, variado y lleno de momentos brillantes, sobre todo en su parte más psycho. Para ponerlo junto a los Pink Fairies.   

Fushitsusha / Keiji Haino

FUSHITSUSHA / KEIJI HAINO

A DOCUMENT FILM OF KEIJI HAINO (Purple Trap, 2012)

Keiji Haino: guitarra, voz

Kiyasu: batería

Chiyo Kamekawa: bajo

Un grito de fondo de Haino da paso a que la guitarra entre a todo trapo, distorsionada, con furia. Así empieza el CD A Document Film of Keiji Haino, álbum que se lanzó para coincidir con un documental sobre Keiji Haino y que sólo se podía encontrar en los cines donde se mostraba, aunque algunas copias llegaron al concierto que Fushitsusha dieron en la Iglesia de St. John en Hackney en octubre del 2012.

A Document Film of Keiji Haino contiene tres cortes con los títulos en japonés, dos a cargo de Fushitsusha y el tercero de Haino en solitario. Los dos cortes de Fushitsusha son de lo más rock que he escuchado de la banda, hasta la duración es comedida para a lo que nos tienen acostumbrados, unos 15 minutos. El primero es un rock con un cuasi riff insidioso, y la voz/gritos de Haino por encima de una sección rítmica que ni se inmuta ante los desfases guitarreros del director de ceremonias. El segundo es un tema de tempo muy pesado, unos guitarrazos que caen a plomo sobre una sección rítmica que no esta lejos de unos Black Sabbath más pesados y pasados. El tema en solitario de Keiji Haino encontramos al músico acompañado de guitarra y voz. Un tema más inusual que los anteriores, pero lejos del vanguardismo al que este tokiota nos tiene acostumbrados en sus discos en solitario. Ponlo a todo volumen, tus vecinos te lo agradecerán.

Melt-Banana

MELT-BANANA

TEENY SHINY (A-Zap, 2000)

Yasuko Onuki: voz

Ichirou Agata; guitarra, efectos

Rika Hamamoto: bajo

Oshima Watchman: batería

Teeny Shiny es el cuarto álbum de estudio de los tokiotas Melt Banana donde se inclina hacia un sonido algo más pop que en su álbum anterior, el extraordinario Charlie. Pero no creas que se han pasado al pop, Melt Banana siguen entregando un buen tordo de noise rock.

El primer corte es “Free the Bee”, que ya marca el tempo endiablado que dominará en el resto del álbum y característico de las entregas de Melt Banana, la velocidad es la que manda. Pero Yasuko demuestra que la velocidad no es una función de la testosterona cuando escupe esas sílabas elegidas más por su sonido que por su significado. Incluso cuando la voz y la guitarra se ralentizan, como en “Lost in Mirror” o “Moon Flavor”, el complejo ritmo de la batería atronando por debajo continua estando a un nivel subatómico. Las influencias en el sonido de Melt Banana se pueden encontrar en diversas fuentes (principalmente en el hardcore y el noise-rock), pero el producto final es completamente único, un pastiche de hardcore atronador y guiños pop. Adorables u odiosos. Tú decides.

ZZZ's

ZZZ'S

MAGNETICA / PRESCRIPTION (Autoeditado, 2014)

Yukari: bajo, voz

Youkaky: guitarra, voz

Lyn: batería

Recopilación de los dos EPs, Prescription (marzo 2012) y Magnetica (febrero de 2013), del trío originario de la Prefectura de Hyogo, que solo se podían conseguir bajándolos de su página web.

El primer tema es “DNA”, un instrumental tributo a la banda neoyorkina de bajo y guitarra punzantes. En “Busy Bee” ZZZ's suben el tempo varias notas, un bajo minimalista, batería anfetamínica y por encima capas de guitarras entretejidas, y susurros humanos, ummmm. Después viene “(A Man Looks Into) the Hole” un tema de no wave con regusto pop, un guiño a la Lydia Lunch de finales de los setentas. Cerrando el EP Magnetica nos encontramos con “Drippin'”, el tema más pop rock del EP con un ritmo saltarín y unas guitarras distorsionadas.

Prescription comienza con el temazo “Dystopia” un tema bailable y futurista de estructura compleja que muestra un paso de gigante hacia adelante en la capacidad de crear canciones. “G's” nos recuerdan a unos Sonic Youth de la época Sister cruzados con los Rapture mas rock. Le sigue “Suicide”, un corte de estructura ambiciosa de callado/desmadre, sobre todo la guitarra de Youyaki, que en el concierto de Londres nos dejó a los presentes con la mandíbula por los suelos. “Cut It Out” es lo más rock del CD, ritmo machacón, letras y forma de cantar con guiños a Nirvana, pero solo guiños, ojo. Cierra el CD “Red Light”, un tema que no quedaría fuera de lugar en el repertorio de los primeros Pixies.

Magnetica / Prescription muestra a una banda que se inspira a partes iguales en la no wave neoyorkina y las bandas americanas independientes de los ochentas, pero actualizando la propuesta con una psique japonesa que hace que ZZZ's sea una banda a seguir muy, pero que muy de cerca.

Kawaguchi Masami's New Rock Syndicate

KAWAGUCHI MASAMI'S NEW ROCK SYNDICATE

THE PSYCHEDELIC SOUNDS OF NEW ROCK SYNDICATE (8mm Records, 2011)

Masami Kawaguchi: guitarra, voces

Hasegawa Yohei: guitarra

Kiyasu: batería

Akira Kikuchi: bajo

Kawaguchi Masami es un veterano en la escena underground de Tokyo habiendo pasado por bandas como Broomdusters o LSD March. The Psychedelic Sounds of New Rock Syndicate es una recopilación realizada por el sello italiano de los tres álbumes que tiene la banda hasta la fecha. La colorida portada es una indicación de que los sonidos de New Rock Syndicate tiran más hacia el rock psicodélico de los sesentas de la costa oeste americana que hacia la cacofonía sonora del underground tokiota.

La cara A de The Psychedelic Sounds of New Rock Syndicate empieza con el tema “Why” en tema con un riff heavy y voces que parecen lamentos que no desagradará a los seguidores de la primera época de los Black Sabbath. El otro tema en la cara A es “Affected Dance” una improvisación blues de unos 18 minutos que me deja frío. En la cara B nos encontramos con cuatro temas de hard rock psicodélico como “Repetition” o “Tottemo” que están entro lo freak y lo clasicorro, siendo el tema que cierra el álbum un instrumental con el título de “(Theme From) New Rock Syndicate” con guitarras killer que es lo mejor del álbum. 

Mach 1.67

MACH 1.67

STAR BURN (Avex, 2000)

Asano Tadanobu - vocals/guitar

Kujun - drums

Fujinoya Mai - bass

Ueno Takashi - guitar/sax

Onogawa Hiroyuki – music

Ishii Sogo – music

Mach 1.67 son una banda punk/noise/industrial que en sus filas tiene al director de cine Ishii Sogo y al actor Asano Tadanobu. Aunque su origen se remonta a 1996, al parecer se separaron después de sacar un LP titulado Babylon Blood que no he escuchado pero parece ser que el sonido es más atmosférico a su material posterior, el EP Star Burn que pusieron en la calle cuando se reformaron en el 2000. y es el CD que tenemos entre manos. Desconozco si tienen más material en la calle o siguen activos, aunque dudo esto último.

El EP tiene cuatro cortes y el primero es “Star Burn”, un trallazo de punk/metal/noise kamikaze. Imaginaos el riff asesino de “Declaration of War” de los New Order americanos que se vuelve lento y pesado para acabar en un enjambre de guitarras chillonas y caóticas. “Electric Buddha” es la calma después de la tormenta con una base de bajo y un ritmo de batería casi jazzy. Un tema psicodélico, en momentos recuerda a unos Pink Floyd de la época Meddle, de unos nueve minutos que va cogiendo intensidad y fuerza. “Shock DNA” es garage punk con un riff saltarín y facilón. Pura gloria. Cerrando el CD encontramos una versión en directo del “Star Burn”.

Espero que algún día tenga la fortuna de encontrarme con otra entrega de Mach 1.67. 

Varios Artistas

VARIOS ARTISTAS

TOKYO FLASHBACK VOL. 2 (P.S.F. Records, 1992)

Segunda entrega de la excelente serie de recopilaciones de P.S.F. Records que da un vistazo a la escena underground de Tokio con un gusto hacia el folk y el rock acido, influenciado por el blues. Escena que ha sido comparada con la escena del krautrock de los setentas y que P.S.F. Records es pieza clave en todo el tinglado. Al parecer todos los temas son exclusivos de este álbum y la mayoría fueron grabados en directo excepto el de Fushitsusha, de hay que el sonido quizás no sea lo brillante que a muchos nos gustaría.

El CD empieza con el tema “Silver Current” de White Heaven. Un tema con sabor a bandas californianas como los Doors o Jefferson Airplane pero sin llegar a ser tan cargantes como los Doors llegan a ser en momentos. Le sigue una unión de fuerzas entre dos monstruos de esta escena como son High Rise y Keiji Haino con una pieza explosiva titulada “T.F.B.”. Con Maher Shalal Hash Baz nos encontramos un tema extraño, de esos de pellizcos y susurros titulado “M.S.H.B.” que por lo menos es curioso. Para contrarrestarlo vienen los Marble Sheep and the Run-Down Sun's Children con “I Just Stay In The Up-Side”, un tema de melodía con gancho aunque con un sonido algo embarrado. Over Hang Party aportan un rock espacial a lo Hawkwind titulado “Now Come Out”. Siguen Yura Yura Kingdom con “Bakano Furi”, un tema de rock clásico en japonés. Yuragi aporta una improvisación libre de noise rock. Kousokuya aportan “Kizashi” un corte sin inhibiciones y con el volumen al máximo. Con Ghost entramos en el terreno del folk rock de atmósferas etéreas con “Sun City Tangging”. Ohkami No Jikan es una colaboración de Maki Miura (Shibuya, Fushitsusha) y Nanjo (High Rise) que entregan “Thin City Part. 2”, un instrumental in crescendo que es la gran sorpresa de Tokyo Flashback Vol. 2, pero se corta de repente dejándote con la miel en la boca. El último corte es el de Fushitsusha titulado “Marianne” que es bastante flojo para el nivel de la banda de Keiji Heino.

Tokyo Flashback Vol. 2 es quizás la entrega más rock de la serie y una buena recopilación donde empezar a hurgar en el catalogo de P.S.F. Records. Para los que ya estén hurgando, quizás echen de menos algunos artistas más orientados hacia el folk rock acido japonés que tiene el sello pero eso no hace que no sea una buena representación de la escena del rock más inquieto de Tokio. 

Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O.

ACID MOTHERS TEMPLE & THE MELTING PARAISO U.F.O.

NEW GEOCENTRIC WORLD OF ACID MOTHERS TEMPLE (Squealer, 2001)

Tsuyama Atsushi: bajo, guitarra acústica, voz

Ginestet Audrey: bajo, piano, voz

Ichiraky Yoshimitsu: batería

Kiozumi Hjime: batería, percusión, saxofón soprano

Kawabata Makoto: guitarra eléctrica, violín, buzuki, alto saxofón, sintetizadores, voz

Ishida Yoko: arpa, coros

Magic Aum Gigi: arpa judía

Higashi Horishi: sintetizadores, guitarra acústica, grabadora

Mano Mazuhiko: saxofón tenor

Cotton Casino: voz, sintetizador

Para escuchar un álbum de Acid Mothers Temple & the Melting Paraiso U.F.O. uno tiene que tener una mente abierta y estar dispuesto a dejarse llevar por un maremoto de excesos. Un exceso sonoro que abarca desde el folk más esotérico hasta el vanguardismo más radical, pasando por el rock psicodélico y el free jazz. Muchos son los que ven en los álbumes de AMT pajas mentales a base de drones interminables y punteos pasados de rosca. Otros vemos un universo de sonidos siderales cargados de guitarras desbocadas y drones que nos descubren nuevas sensaciones. Y el álbum New Geocentric World of Acid Mothers Temple esta entre mis favoritos de los que he escuchado hasta la fecha de este colectivo.

Una de las principales razones es que en New Geocentric World Of Acid Mothers Temple tiene un lenguaje de rock comparativamente más accesible que otras entregas, se puede observar una influencia de clásicos del rock como Jefferson Airplane o Hawkwind pero esto no es garantía de que aquel que escuche este álbum lo encuentre accesible. La mayoría de las composiciones tienen esa atmósfera espacial de Hawkwind cruzados con unos Faust pero con guiños a Blue Cheer o Jimi Hendrix en sus momentos más “hard”. El álbum se comienza con una odisea de 21 minutos llamada “Psycho Buddha” que no se si llamarla acid rock o free jazz eléctrico. Un tema abrasador, cacofónico, pesado, disonante, pajero, un tema que no es para un piquismiquis. Después de un par de minutos de empezar el vieja tienes dos opciones, aquí me bajo y aprietas Eject, o te quedas enganchado con su mundo dimensiones sónicas. Si has decidido no apretar el botón de Eject. Con “Universe Romance” y “Mellow Hollow Love” los AMT te mostraran su lado de atmósferas ambientales que evocan amplios espacios. ACM también suelen dar tributo a sus influencias, y en “Occie Lady” se lo dan al “Foxy Lady” de Hendrix. “You Are Still Now Near Me Everytime” es un tema de combustión lenta en la que tras los cinco primeros minutos de coros femeninos se da paso a otro desmadre guitarrero de Kawabata. “Space Age Ballad” si es una balada es para bailarla en el espacio, tiene un toque de comparación a sus paisanos Ghost en sus atmósferas acústicas e inquietantes. El tema que cierra el álbum es”What Do I Want To Know (Like Heavenly Kisses Part. 2), un drone de 15 minutos con capas de guitarra y una estructura que evoca a My Bloody Valentine y Spacemen 3. Pero hay una 'pequeña' diferencia entre estas dos bandas y Kawabata, este realmente cree que se esta comunicando con el cosmos y sus desmadres son sus ofrendas.

 A muchos se les hará pesado este exceso guitarrero de New Geocentric World of Acid Mothers Temple, pero estamos ante una locura psicodélica, y la invención y disponibilidad a explorar nuevos excesos de Kawabata hace que la música no suene retro sino actual y original.

Bo Ningen

BO NINGEN

LINE THE WALL (Stolen Recordings, 2012)

Tiagen Kawabe: voz, bajo

Kohhei Matsuda: guitarra, eco, fuzz

Yuki Tsujii: guitarra, eco, fuzz

Mon Chang: batería

Segundo álbum de estos japos afincados en Londres con diez nuevos temas. La misma banda se ha en cargado de la producción y han introducido nuevos elementos que han expansionado la estructura y sonido de su música. Si en las grabaciones anteriores, Bo Ningen tenían un sonido que intentaba capturar la energía y crudeza de sus canciones, con Line The Wall han añadido capas musicales dando a su música más profundidad y textura. Pero aunque este cambio en la composición abre a la banda un abanico de posibilidades a su sonido, el volumen sigue estando al máximo manteniendo esa intensidad que caracteriza a los Bo Ningen.

Line The Wall comienza con el vibrante bajo de “Soko” pero temperado con unas espirales de guitarra dando al tema una cualidad ensoñadora. “Shin Ichi” con su palpitante bajo y enredo de guitarras que se insertan en la psique para no desprenderse. En “Daikaise Part I” los Bo Ningen se embarcan en un viaje espacial que recuerda a lo mejor de Hawkwind y que es uno de los momentos álgidos del álbum. En “Ten Te Sen” nos encontramos a la banda en lo más parecido a una balada que han hecho hasta la fecha, aunque una empapada en armonías de noise y feedback. “Daikaise Part II, III” coge el viaje donde lo dejamos en la primera parte para llevarnos por caminos de riffs de metal atenuados con atmósferas y 'grooves' del krautrock más guitarrero. Enorme.

Con Line The Wall, Bo Ningen dan otra muestra de su talento para crear obras psicodélicas tocadas con furia y velocidad pero también con sentido melódico. Un álbum que tiene todo lo que un buen álbum psicodélico debe tener. 

Les Rallizes Denudés

LES RALLIZES DENUDÉS

YODO-GO-A-GO-GO (10^th Avenue Freeze Out, 2006)

Les Rallizes Denudés fueron una de las primeras bandas de noise-psicodélico, y también la más revolucionaria, cuya carrera se extiende a través de cuatro décadas, pero muy poco material hay en la calle de sus primeros años de existencia. La recopilación no oficial (hay algo oficial de esta banda?) Yodo-go-a-go-go, también conocida como Flightless Bird Needs Water Wings, reúne 8 temas grabados entre 1967 y mediados de los setentas por Muzatuni y cía. El título del álbum hace referencia al grupo Yodo-Go, una facción de extrema izquierda de la Armada Roja Japonesa que secuestraron un avión en 1970, grupo entre los que se encontraba el bajista de la banda de por entonces, Moriaki Wakabayashi. La portada es una foto del avión secuestrado.

Yodo-go-a-go-go comienza “Otherwise Conviction” un tema excelente de garage grabado en estudio en 1967 y que tuvo como consecuencia que Mizutani abandonara para siempre los estudios de grabación al verse incapaz de cantarla entonado. Le sigue “Valle de l'eau”, un tema a lo “I'll Be Your Mirror” de los Velvet Underground pero sin el afrancesamiento. Después de estos dos temas cortos viene una sección de cuatro temas expansivos, de enormes improvisaciones llenas de noise y experimentación que son la marca y seña de los Denudés. El primero en llegar es el clásico en el repertorio de los Denudés “Enter The Mirror”, una versión titánica de 13 minutos llena de 'drone' a un volumen atroz, con las improvisaciones en la guitarra de Mutizani marcando destellos de luz celestial. A continuación nos encontramos con el 'freakout' de 19 minutos con el título de “Smokin' Cigarette Blues” grabado a mediados de 1968. Los primeros 12 minutos son de un sonido atroz de cacofonía donde da la impresión de que en cualquier momento todo va a colapsar, pero pasa todo lo contrario, la cacofonía coge fuerza y se convierte en una locomotora imparable. Es como si la parte más noise del “Sister Ray” de la Velvet Underground la estuviera interpretando una horda de los mongoles de Atila, sublime. Después viene “Flames On Ice”, una versión de 17 minutos fantasmagóricos de este tema que aparece con asiduidad en los álbumes de la banda. Y para acabar con la sección de los temas largos nos encontramos con el desfase a lo San Franciscano de “Field Of Artificial Flowers” que en comparación a las tres anteriores parece un tema de rock clásico, pero solo comparativamente. Dos temas cortos siguen: el primero en llegar es el destroza cerebros de “Deeper Than Night”, y cerrando el CD tenemos una versión diferente de “Otherwise My Conviction” que es bastante inferior a la que iniciaba este viaje.

Camaradas, Yodo-go-a-go-go es un CD esencial para los seguidores de esta banda esencial. Avisados estáis. 

Japanoise: Music at the Edge of Circulation

JAPANOISE: MUSIC AT THE EDGE OF CIRCULATION

por 
DAVID NOVAK

Dudo mucho que este libro llegue a las estanterías en castellano, así que aquellos que no dominen el idioma de Obama, ya pueden hacerse de un buen diccionario. Que sea la editorial de la universidad de Duke la que lo publica indica que tampoco lo van a colocar en demasiadas librerías anglosajonas. Pero una de las buenas cosas del Internet es que pillar ese disco de edición diminuta, ese libro que solo lo leerán tres gatos o aquellos calzoncillos que viste a un guiri en Benidorm están al alcance de un ratón y su correspondiente tarjeta de crédito. Y hay que decir que aquellos que estén interesados en noise, no se pueden perder Japanoise: Music At The Edge Of Circulation. Un libro que se centra en el noise japo puro, y duro. Las bandas en que Novak se centra no hacen música, ni rock sobreamplificado, es noise extremo. Solo se menciona de pasada a alguna gente en la órbita de P.S.F. Records, por ejemplo Fushitsusha o Ghost, pero el centro el meollo son gente como Masonna, Hijokaidan o Hanatarashi. “Noisicians” (así es como Novak les llama) que con un equipo muy modificado y un pedal de guitarra, atronaban en garitos underground de las metrópolis japonesas produciendo constantemente cassettes que hasta seguidores del fenómeno tan enviciados como Thurston Moore tenían problemas en seguir.

En Japanoise: Music At The Edge Of Circulation Novak empieza considerando el creciente interés que ha habido en el noise en los últimos 30 años y se centra en las iniciales incursiones de los músicos experimentales japoneses en las grandes urbes niponas durante los ochentas. De acuerdo con el autor “Japa-Noise' fue el resultado el intercambio entre dos áreas en particular, Japón y América, esta última donde de hecho surge el género. En los dos primeros capítulos el autor nos introduce su investigación etnográfica, hablándonos de los lugares donde se hacían actuaciones y de las tiendas de discos donde se distribuía. Los capítulos 3 y 4 tratan sobre la circulación de las grabaciones noise, sobre su clasificación y de los espacios donde se consumía el Japanoise, primeramente a través de la tradición japonesa del café de jazz (jazu-kissa), donde Novak argumenta que la escucha de noise en cafés fue una reacción contra aquella élite de “entendidos” que evocaban los jazu-kissas, y después como un discurso del género. De acuerdo con Novak, el noise es un expresión antagonista cultural que utiliza el feedback como medio. En el capítulo 5 se utiliza el feedback para ensalzar la subjetividad del “noisician”. En el capítulo 6 Novak revela una compleja relación con la modernidad japonesa, con sus experiencias incrustadas de excesos, traumas, y el tecno-capitalismo. El capítulo 7 Novak examina la relación entre la cultura underground del cassette y la lógica cultural del noise. Un capítulo que por si solo vale la pena pagar los aproximadamente 15 euracos que me costó el libro.

Intercaladas entre el texto hay numerosas fotos en B/N de “noisicians” así como de sus equipos, e incluso un revelador mapa de garitos noise en el Manhattan de los ochenta. Ideal para una ruta turística la próxima vez que visites la Gran Manzana, aunque dudo muchísimo que quede rastro de alguno.

LSD March

LSD MARCH

EMPTY RUBIOUS RED (White Elephant Records, 2005)

Shinsuke Michishita: voz, guitarra, bajo, percusión

Ikuro Takahashi: batería

La portada corresponde a la edición del sello de Filadelfia Tequila Sunrise Records de 2007 que es la edición que tengo. Hay otras cuatro ediciones con diferentes portadas, una de ellas también lanzada por White Elephant Records con un CD conteniendo una versión alternativa de “Empty Rubious Red” como gancho extra.

LSD March es una banda formada en 1996 con base en la ciudad de Himeji. El nombre esta sacado de un título de un tema de los Guru Guru y esta liderada por Shinsuke Michisita, siendo este el único miembro constante, ayudándose de diversos colaboradores principalmente en los tambores.

Empty Rubious Red es el quinto álbum de la banda y consta de seis temas: cinco de ellos lentos y acústicos, introspectivos y cantados en japonés. Y uno que es pura electricidad. Se trata del tema que da título. Más de ocho minutos de latigazos eléctricos que después de ascender hasta el caos que te deja con los oídos zumbando. Aquellos que gusten de la psicodelia japonesa más desmadrada lo más seguro es que encuentren el gusto por atmósferas folkies y lánguidas de Michishita algo difícil de digerir pero aunque sea solo por el tema “Empty Rubious Red”, deberían hacerse con este álbum.

Spectrum Synthesize!

SPECTRUM SYNTHESIZE!

HUMOUR & DESTRUCTION (Autoeditado, 2005)

Spectrum Synthsize! vienen de la ciudad de Okayama, al sur de Japón, con una sabor distintivamente de hardcore y post-punk. Al parecer su origen se remonta al 2001 y ha tenido numerosos cambios de formación hasta su disolución en el 2008. Humour & Destruction fue autoeditado y hasta donde sé, es lo único que Spectrum Synthesize1 sacaron a la calle. Punk esquizofrénico de 11 temas en poco mas de 11 minutos que recuerda a unos Melt Banana, a los primeros Boredoms o a I Want City con los que compartieron miembros.

Lost Aaraaff

LOST AARAAFF

LOST AARAAFF (P.S.F. Records, 1991)

Shime Takahashi: batería

Keiji Haino: voz, guitarra, piano

Poca información hay del primer proyecto de Haino. Lost Aaraaff estuvieron activos desde 1970 hasta 1975/76 y que yo sepa este CD es lo único que tienen publicado, y fue publicado por P.S.F. Records en 1991. El álbum contiene tres temas sin titular que parece ser fueron grabados en directo, que que muestran a una banda vanguardista con un lenguaje más de free jazz que de rock. No esperes encontrar las avalanchas de distorsión guitarrera de Fushitsusha, aqui el instrumento dominante es el piano, quizás por eso recuerde a vanguardistas del jazz como Albert Ayler o Cecil Taylor. Lost Aaraaff es esencial para seguidores de este impresionante músico nipón, para saber de donde viene todo. 

Guitar Wolf

GUITAR WOLF

UFO ROMANTICS (Ki/oon Music, 2003)

Seiji: guitarra, voz

Billy: bajo

Toru: batería

Otra colección de punk rock garagero y macarrónico de los de Nagasaki. 13 temas escupidos a todo volumen y cantados a pleno pulmón que no se diferencian demasiado los unos de otros, bueno es que tampoco es fácil distinguir los estribillo de la estrofas. Creo que UFO Romantics es su séptimo álbum de estudio, editado por el sello japones Ki/oon en 2003 pero la la versión que tengo en casa es la de Munster Records ese mismo año ene una portada distinta portada en B/N en el que nuestros tres mendas salen con unas chupas de cuero poniendo morritos.

Aunque con una producción algo más limpia que en sus previas entregas, UFO Romantics contiene todos los ingredientes por los que adoro a estos japos: crudeza, solos que son espasmos eléctricos, canciones con títulos demenciales. Guitar Wolf son una de las bandas más majaras del planeta y este álbum es una buena muestra de su locura.

Marble Sheep and the Run-Down Sun's Children

MARBLE SHEEP AND THE RUN-DOWN SUN'S CHILDREN

FIRST ANNIVERSARY LIVE (Captain Trip Records, 2007)

Ken: voz, guitarra acústica, percusión

Fool: voz, bajo, guitarra acústica, percusión

Nakano: voz percusión

Kurihara: guitarra eléctrica

First Annyversary Live contiene dos temazos psych-rock de los Marble Sheeps and the Run-Down Sun's Children. En la cara A aparece “ “Ancient Wind” una locura psycho de bongos y guitarra corrosiva. Fue grabado en 1987 pero desconozco donde salió. En la cara B tenemos “Untitled” un instrumental de acústicas y percusión repetitivo que apareció en un flexi en 1988. Dos gemas de estos japos majaras.   

Friction

 FRICTION

ATSUREKI (Pass Records, 1980)

Reck: voz, bajo

Chiko Hige: batería, saxofón

Tsunematsu Masatoshi: guitarra

Los origines de Friction hay que buscarles a principios de la década de los setentas cuando Reck y Hige formaron el combo vanguardista Circle Triangle Square. A mediado de los setentas cambiaron el nombre a 3/3 y poco después Reck y Hige se fueron a Nueva York donde estuvieron tocando con Teenage Jesus and the Jerks y fueron miembros fundadores de James Chance and the Contortions antes de volver a Japón y formar Friction reclutando al guitarrista Tsunematsu Masatoshi.

Atsureki fue su primer álbum de estudio del trío, un álbum sorprendentemente complejo pero fresco. Un sonido con ritmos angulares que recuerda a la no wave de James & the Contortions o Theorietical Girls, con toques de Captain Beefheart, y del postpunk europeo de unas Slits o Liliput. Cada canción es diferente y el álbum no aburre en ningún momento. Si te gusta el punk y la no wave este disco te va a gustar.  

Hear Japanese See Japanese Say Japanese

VARIOS ARTISTAS

HEAR JAPANESE SEE JAPANESE SAY JAPANESE (Dostmark, 2007)

Recopilación de noise nipón de la década pasada. En este mismo blog se menciona a bandas muchas veces incluidas en ese género pero que no pertenecen a lo que se considera Japanoise en su versión más estricta. Esas bandas en que el feedback, la electrónica y la saturación de volumen son sus herramientas, y que en Hear Japanese See Japanese Say Japanese nos encontramos con una pequeña muestra. Que sea música o no eso se lo dejo a otros.

El CD contiene a doce bandas: destructionisties, Groyxo, Variations of Sex, Masked Diode, shikaku, Eros +Gyakusatsu, Pezica, Suspect, amnesia-channel, Paipan Angle, Bloody Letter, y Direct Lightning Stroke que aportan un video. Si consideras el Metal Machine de Lou Reed como una de las obras más importantes de este, o te gustan los momentos más abstractos de Sonic Youth, en particular en su etapa de SYR, esta recopilación es para ti.

Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O.

ACID MOTHERS TEMPLE & THE MELTING PARAISO U.F.O.

THE RIPPER AT THE HEAVENS GATES OF DARK (Riot Season, 2011)

Tsuyama Atsushi: bajo Monster, voz, flauta Cimpo, grabador Soprano, guitarra acústica.

Higashi Hiroshi: sintetizadores, anillo Danzing

Shimura Koji: batería, Latino cool

Kawabata Makoto: guitarra eléctrica, buzuki eléctrico, sitar, órgano, percusión, electrónica.

The Ripper At The Heavens Gates of Dark es un álbum del colectivo de Acid Mothers Temple que le tengo un cierto apego ya que le pillé cuando tuve la oportunidad de verlos en Corsica Studios cuando lo presentaron en Londres. El álbum contiene 5 temas, el más corto de unos cuatro minutos y el más largo de casi 22, en el que en este caso el cuarteto se recrean haciendo escapadas psicodélicas espaciales con la guitarra de Makoto variando entre riffs Zeppelianos a tantras sónicas, pasando por ambientaciones orientales y de kraturock. Para aquellos que conozcan a los ACT, este no es un álbum en el que se presenten nuevas facetas de ellos, pero para los que no les conozcan es una muy buena entrada a su mundo sonoro.

Jet Boys

JET BOYS

GET OUT OF MY GIRL / TEENAGE THUNDER/ FUCK U TOKIO (Sympathy for the Record Industry, 1993)

Assman Ono Ching: voz, guitarra

Joe Alcohol: bajo, voz

Pancho Suzuki: batería, voz

 Trio de punk rock gamberril de Tokio, no le vayas a confundir con la banda de hard rock pajotero de San Francisco de nombre muy parecido. Jet Boys son una banda de punk garagero excesivo y agresivo. En este picture 7” de punk rock maniático con tres cortes es escaso en duración pero muy abundante en volumen y actitud. El tema estrella “Get Out Of My Girl” que ocupa la cara A es una explosión sónica de incontrolada excitación. La cara B lleva dos temas pero el corte interesante es una versión del “What Love Is” de los Dead Boys que estos mendas titulan “Fuck U Tokio”. Como diría mi vecino “It's so cooooooooool nena.  

Ranmadou

RANMADOU

1971 SUMMER (URC Records, 1971)

Hisao Maauyoshi; voz

Eiryu Kou; guitarra

Yukio Suruyama; bajo

Toshiro Yajima; batería

La historia de Ranmadou es corta, empieza en 1971 cuando el guitarrista Kou la forma despues de dejar a su anterior banda, Dew, la prefectura de Gifu en el centro de Japón, pero al cabo de unos meses se trasladaron a la zona dela capital imperial, Kyoto. En 1972 sacaron un álbum de rock insulso con orientaciones poperas y al poco después desaparecieron. Pero antes meterse en el estudio de grabación para este álbum y gracias a unos contactos consiguieron colarse en el carel del 3rd Festival Anual de Folk en Tokio, de donde salio la grabación que tenemos entre manos.

1971 Summer captura a la banda en un estado de gracia. A una banda cuyo sonido es un blues rock acido de voz rasposa y muchos decibelios. El álbum consta de 10 temas que se dividen entre aquellos de corte rock blues tradicional, se atreven a hacer una versión del “Hoochie Coochie Man” de Waters que se les lleva por delante, y trombas de rock acido metalero que se podrían meter entre Black Sabbath y unos Stooges hippiosos. Mis cortes favoritos son el mazazo que es “One Hundred Faces” y “ White Shoes”, un tema cuyo riff recuerda al de la entrada del “O Stella” de P.J. Harvey, pero eso es todo lo que tienen en común. Blues rock metálico de muchos pelos.

White Heaven

WHITE HEAVEN

OUT (P.S.F. Records, 1991)

Naohiro Yoshimoto: bajo

Ken Ishihara: batería

Michio Kurihara: guitarra

You Ishihara: voz, guitarra

Out es el primer álbum de la legendaria banda psicodélica de Tokio, White Heaven. Una banda, para bien o para mal, de psicodelia clásica con una guitarrista cojonudo. Una banda con un duo de guitarras feroces que saltan y chirrían pero tocadas con precisión. El sonido de la banda tira hacia la psicodelia de la costa oeste en la onda de Quicksilver o Airplane, pero las influencias en las voces hay que buscarlas en la otra costa de USA, en Hell/Verlaine. Sus origines se pueden encontrar a mediados de los ochentas pero debido a una serie de cambios en la formación su primer LP oficial no seria hasta que en 1991 P. S. F. Records lo sacara. Cierto es que habían autoeditado un par casetes a finales de los ochentas con versiones distintas de la mayoría de los temas de este álbum que no he visto ni en fotocopias. No obstante, la publicación del LP no seria el final en los problemas con la formación de White Heaven, poco después de la grabación del álbum Mishio y Naohiro se piraron y fueron reemplazados para el segundo álbum con el guitarrista Souchirou Nakamura y el bajo Kouiji Samura. Pero nos estamos saliendo de lo que nos trae aquí.

La edición original de Out consistió en 500 copias en vinilo que se agotó en cuatro días, y por los que se están pagando alrededor de 300 dólares por ejemplar. Pero en 1994 P.S.F. Records lanzaría una versión en CD que tiene unos precios mucho más aptos para mi bolsillo. La portada es bastante sencilla funda negra con letras doradas de fuetes sencillas. Los valores de la producción están en la parte baja de la escala que se puede considerar como como un valor intrínseco en si.

Out tiene dos marchas, a todo trapo y de dulce nostalgia. “Blind Promise” es el primer corte del álbum y entra a todo trapo, un torbellino psicópata en el que las guitarras de Michio Kurihara llenas de adrenalina y furia salen por los bafles como serpientes en pleno ataque. Después nos viene “Dirty Hands”, un tema introspectivo y delicado. En la misma onda empieza “Fallin' Stars End” pero que se va enredando en una ascensión hasta un estallido de notas de guitarra acodas que te van derritiendo y que después de numerosas escuchas todavía tengo un estremecimiento de gusto al ponerla. “My Cold Dimention” es un tema de rock con guitarras rugientes y ritmo acelerado.“Mandrax Town” es el tema mas largo del álbum con 11.51 minutos. Un pedazo de tema que empieza con el susurro del bajo y que va en crescendo metiendo capas de guitarras que se abren camino en tu consciente a puñetazos. La sombra de unos Doors planea a la vez que la canción progresa. Cerrando el CD nos encontramos con el tema que da título al álbum “Out”. Un tema que tiene esa dejadez característica de la psicodelia de la costa oeste, que se va revolcando en si misma hasta que casi consigues ver la electricidad saliendo de tus bafles. He leído criticas que consideran este tema como proto-shoegaze ya que tiene esa amplitud que se puede encontrar en los primeros álbumes de Ride, quizás, a mi esas guitarras lánguidas y acidas me recuerdan a los temas mas rock de unos Airplane.

Out es rock psicodélico en su forma más pura e intensa, una delicia para los amantes de guitarras envolventes e incisivas con grandes dosis melódicas.