lunes, 14 de julio de 2014

Far East Family Band


FAR EAST FAMILY BAND
PARALLEL WORLD (MU Land, 1976)

Far East Family Band fueron una de las bandas psicodélicas/progres más interesantes de las que salieron de Japón durante los setenta, y para su tercer álbum Parallel World contaron en la producción con el mago de la electrónica del krautrock Klaus Schultze. El álbum fue grabado en Londres, en los Manor Studios de Richard Branson con la intención de conseguir un contrato con Virgin Records, pero lo rechazaron, por lo que solo se editaría en Japón con dos portadas diferentes.
La cara A comienza con “Metempsycosis” con sus tambores tribales y drones de sintetizadores que se puede considerar el preludio a los casi 16 minutos de “Entering-Times” con sus cascadas de sintetizadores espaciales que acaba con la banda a todo trapo recordando al “Set the Controls for the Heart of the Sun” de los Pink Floyd. Después viene “Kokoro”, una balada cantada en japonés que te la puedes pasar a no ser que seas de los que flipan con los discos de Triana.
La cara B consiste en la suite de 30 minutos “Parallel World”. LA suite empieza con “Amanezcan” que aporta un Moog modular y con la banda con unos ritmos psicodélicos funkeros de “Origin” y “Zen”. El resto de la suite son sonidos cósmicos que podrían rivalizar con los de Tangerine Dream en Alpha Centauri.
Pondría a Parallel World entre lo mejor de Tangerine Dream y unos Pink Floyd pre-Dark Side of the Moon. Un álbum al que si te van los sonidos cristalinos, las atmósferas espaciales del krautrock deberías al menos darle una oportunidad en tu equipo. 

martes, 24 de junio de 2014

Marble Sheep


MARBLE SHEEP
MESSAGE FROM OARFISH (Funfungddrierzig, 2007)
Ken Matsutani: guitarra, voz
Tak: guitarra
Rie Miyasaki: bajo
Sawada: batería
Iwamotor: batería

Creo que Message From Oarfish es el 14 álbum de Marble Sheep, la banda psyco-rock liderada por el guitarrista Ken Matsutani, si también contamos los álbumes que sacaron con el nombre más extenso de Marble Sheep and the Rundown Sun's Children. Se puede decir que en Message From Oarfish la banda utiliza elementos del krautrock, del punk rock y la psicodelia llegando a ser en muchos momentos memorables. La versión que yo tengo es la de doble vinilo que contiene cortes extras que no vienen en la versión en CD.
El vinilo 1 empieza con “Tears” un krautrock de casi 13 minutos que comienza con rasgadas de guitarra que va cogiendo forma e intensidad a base de capas de guitarras con un resultado impresionante. Un tema que no desentonaría en Neu' 75. El otro corte de la cara A lo forma “From The Centre” otra pieza psicodélica con guiños orientalistas, menos intenso que el predecesor y más juguetón con ese organillo, esos duelos de guitarras que no aparecen en el corte anterior. En la cara B nos encontramos con la parte más arisca y cruda de Marble Sheep empezando con “Mana” un rock punkarrillo. Sigue “Raise The Dead” que es totalmente punkarron. “Skull Cool” va por los mismos derroteros pero más festivo, un corte de esos para cantar a coro. Sigue el stoogiano del periodo Raw Power “Egyptian Queen”. “It's Time” es un corte intimista y juguetón. Y acaba la cara B “Savior Of Street”, un rock de corte clasicorro, lo más parecido del álbum a una balada, pero no enciendas el mechero que no es de esas.
 Los temas que vienen en el segundo vinilo no están el la versión CD, pero no te creas que por eso son desechos, sino que te recomiendo que consigas los euros para hacerte con este formato de Message From Oarfish. La cara C esta ocupada en exclusiva por “Holy Chameleon” una tremenda comunión instrumental de krautrock lento y pesado de 18 minutos de duración. Una guitarra repetitiva, atronadora y espaciada con una base rítmica de marcha funeral que crea una atmósfera entre siniestra y grandiosa. Dando la vuelta al vinilo nos encontramos con “Fear” un instrumental de órgano y samples de pajaritos cantando al final, sacado directamente del “Cirrus Mirror” de Pink Floyd. “Where Did You Come?” empieza con sonido estático pero en realidad es un duelo entre los dos bateras, corto y a la yugular. Y cierra el álbum “Hello! Hello!” un desmadre bo diddleyniano de más de 11 minutos. En su conjunto Message From Oarfish es un gran álbum, variado y lleno de momentos brillantes, sobre todo en su parte más psycho. Para ponerlo junto a los Pink Fairies.   

viernes, 13 de junio de 2014

Fushitsusha / Keiji Haino


FUSHITSUSHA / KEIJI HAINO
A DOCUMENT FILM OF KEIJI HAINO (Purple Trap, 2012)
Keiji Haino: guitarra, voz
Kiyasu: batería
Chiyo Kamekawa: bajo

Un grito de fondo de Haino da paso a que la guitarra entre a todo trapo, distorsionada, con furia. Así empieza el CD A Document Film of Keiji Haino, álbum que se lanzó para coincidir con un documental sobre Keiji Haino y que sólo se podía encontrar en los cines donde se mostraba, aunque algunas copias llegaron al concierto que Fushitsusha dieron en la Iglesia de St. John en Hackney en octubre del 2012.
A Document Film of Keiji Haino contiene tres cortes con los títulos en japonés, dos a cargo de Fushitsusha y el tercero de Haino en solitario. Los dos cortes de Fushitsusha son de lo más rock que he escuchado de la banda, hasta la duración es comedida para a lo que nos tienen acostumbrados, unos 15 minutos. El primero es un rock con un cuasi riff insidioso, y la voz/gritos de Haino por encima de una sección rítmica que ni se inmuta ante los desfases guitarreros del director de ceremonias. El segundo es un tema de tempo muy pesado, unos guitarrazos que caen a plomo sobre una sección rítmica que no esta lejos de unos Black Sabbath más pesados y pasados. El tema en solitario de Keiji Haino encontramos al músico acompañado de guitarra y voz. Un tema más inusual que los anteriores, pero lejos del vanguardismo al que este tokiota nos tiene acostumbrados en sus discos en solitario. Ponlo a todo volumen, tus vecinos te lo agradecerán.

domingo, 8 de junio de 2014

Melt-Banana


MELT-BANANA
TEENY SHINY (A-Zap, 2000)
Yasuko Onuki: voz
Ichirou Agata; guitarra, efectos
Rika Hamamoto: bajo
Oshima Watchman: batería

Teeny Shiny es el cuarto álbum de estudio de los tokiotas Melt Banana donde se inclina hacia un sonido algo más pop que en su álbum anterior, el extraordinario Charlie. Pero no creas que se han pasado al pop, Melt Banana siguen entregando un buen tordo de noise rock.
El primer corte es “Free the Bee”, que ya marca el tempo endiablado que dominará en el resto del álbum y característico de las entregas de Melt Banana, la velocidad es la que manda. Pero Yasuko demuestra que la velocidad no es una función de la testosterona cuando escupe esas sílabas elegidas más por su sonido que por su significado. Incluso cuando la voz y la guitarra se ralentizan, como en “Lost in Mirror” o “Moon Flavor”, el complejo ritmo de la batería atronando por debajo continua estando a un nivel subatómico. Las influencias en el sonido de Melt Banana se pueden encontrar en diversas fuentes (principalmente en el hardcore y el noise-rock), pero el producto final es completamente único, un pastiche de hardcore atronador y guiños pop. Adorables u odiosos. Tú decides.

sábado, 31 de mayo de 2014

ZZZ's


ZZZ'S
MAGNETICA / PRESCRIPTION (Autoeditado, 2014)
Yukari: bajo, voz
Youkaky: guitarra, voz
Lyn: batería

Recopilación de los dos EPs, Prescription (marzo 2012) y Magnetica (febrero de 2013), del trío originario de la Prefectura de Hyogo, que solo se podían conseguir bajándolos de su página web.
El primer tema es “DNA”, un instrumental tributo a la banda neoyorkina de bajo y guitarra punzantes. En “Busy Bee” ZZZ's suben el tempo varias notas, un bajo minimalista, batería anfetamínica y por encima capas de guitarras entretejidas, y susurros humanos, ummmm. Después viene “(A Man Looks Into) the Hole” un tema de no wave con regusto pop, un guiño a la Lydia Lunch de finales de los setentas. Cerrando el EP Magnetica nos encontramos con “Drippin'”, el tema más pop rock del EP con un ritmo saltarín y unas guitarras distorsionadas.
Prescription comienza con el temazo “Dystopia” un tema bailable y futurista de estructura compleja que muestra un paso de gigante hacia adelante en la capacidad de crear canciones. “G's” nos recuerdan a unos Sonic Youth de la época Sister cruzados con los Rapture mas rock. Le sigue “Suicide”, un corte de estructura ambiciosa de callado/desmadre, sobre todo la guitarra de Youyaki, que en el concierto de Londres nos dejó a los presentes con la mandíbula por los suelos. “Cut It Out” es lo más rock del CD, ritmo machacón, letras y forma de cantar con guiños a Nirvana, pero solo guiños, ojo. Cierra el CD “Red Light”, un tema que no quedaría fuera de lugar en el repertorio de los primeros Pixies.
Magnetica / Prescription muestra a una banda que se inspira a partes iguales en la no wave neoyorkina y las bandas americanas independientes de los ochentas, pero actualizando la propuesta con una psique japonesa que hace que ZZZ's sea una banda a seguir muy, pero que muy de cerca.

martes, 27 de mayo de 2014

Kawaguchi Masami's New Rock Syndicate


KAWAGUCHI MASAMI'S NEW ROCK SYNDICATE
THE PSYCHEDELIC SOUNDS OF NEW ROCK SYNDICATE (8mm Records, 2011)
Masami Kawaguchi: guitarra, voces
Hasegawa Yohei: guitarra
Kiyasu: batería
Akira Kikuchi: bajo
Kawaguchi Masami es un veterano en la escena underground de Tokyo habiendo pasado por bandas como Broomdusters o LSD March. The Psychedelic Sounds of New Rock Syndicate es una recopilación realizada por el sello italiano de los tres álbumes que tiene la banda hasta la fecha. La colorida portada es una indicación de que los sonidos de New Rock Syndicate tiran más hacia el rock psicodélico de los sesentas de la costa oeste americana que hacia la cacofonía sonora del underground tokiota.
La cara A de The Psychedelic Sounds of New Rock Syndicate empieza con el tema “Why” en tema con un riff heavy y voces que parecen lamentos que no desagradará a los seguidores de la primera época de los Black Sabbath. El otro tema en la cara A es “Affected Dance” una improvisación blues de unos 18 minutos que me deja frío. En la cara B nos encontramos con cuatro temas de hard rock psicodélico como “Repetition” o “Tottemo” que están entro lo freak y lo clasicorro, siendo el tema que cierra el álbum un instrumental con el título de “(Theme From) New Rock Syndicate” con guitarras killer que es lo mejor del álbum. 

miércoles, 21 de mayo de 2014

Mach 1.67


MACH 1.67
STAR BURN (Avex, 2000)
Asano Tadanobu - vocals/guitar
Kujun - drums
Fujinoya Mai - bass
Ueno Takashi - guitar/sax
Onogawa Hiroyuki – music
Ishii Sogo – music

Mach 1.67 son una banda punk/noise/industrial que en sus filas tiene al director de cine Ishii Sogo y al actor Asano Tadanobu. Aunque su origen se remonta a 1996, al parecer se separaron después de sacar un LP titulado Babylon Blood que no he escuchado pero parece ser que el sonido es más atmosférico a su material posterior, el EP Star Burn que pusieron en la calle cuando se reformaron en el 2000. y es el CD que tenemos entre manos. Desconozco si tienen más material en la calle o siguen activos, aunque dudo esto último.
El EP tiene cuatro cortes y el primero es “Star Burn”, un trallazo de punk/metal/noise kamikaze. Imaginaos el riff asesino de “Declaration of War” de los New Order americanos que se vuelve lento y pesado para acabar en un enjambre de guitarras chillonas y caóticas. “Electric Buddha” es la calma después de la tormenta con una base de bajo y un ritmo de batería casi jazzy. Un tema psicodélico, en momentos recuerda a unos Pink Floyd de la época Meddle, de unos nueve minutos que va cogiendo intensidad y fuerza. “Shock DNA” es garage punk con un riff saltarín y facilón. Pura gloria. Cerrando el CD encontramos una versión en directo del “Star Burn”.
Espero que algún día tenga la fortuna de encontrarme con otra entrega de Mach 1.67. 

lunes, 19 de mayo de 2014

Varios Artistas


VARIOS ARTISTAS
TOKYO FLASHBACK VOL. 2 (P.S.F. Records, 1992)
Segunda entrega de la excelente serie de recopilaciones de P.S.F. Records que da un vistazo a la escena underground de Tokio con un gusto hacia el folk y el rock acido, influenciado por el blues. Escena que ha sido comparada con la escena del krautrock de los setentas y que P.S.F. Records es pieza clave en todo el tinglado. Al parecer todos los temas son exclusivos de este álbum y la mayoría fueron grabados en directo excepto el de Fushitsusha, de hay que el sonido quizás no sea lo brillante que a muchos nos gustaría.
El CD empieza con el tema “Silver Current” de White Heaven. Un tema con sabor a bandas californianas como los Doors o Jefferson Airplane pero sin llegar a ser tan cargantes como los Doors llegan a ser en momentos. Le sigue una unión de fuerzas entre dos monstruos de esta escena como son High Rise y Keiji Haino con una pieza explosiva titulada “T.F.B.”. Con Maher Shalal Hash Baz nos encontramos un tema extraño, de esos de pellizcos y susurros titulado “M.S.H.B.” que por lo menos es curioso. Para contrarrestarlo vienen los Marble Sheep and the Run-Down Sun's Children con “I Just Stay In The Up-Side”, un tema de melodía con gancho aunque con un sonido algo embarrado. Over Hang Party aportan un rock espacial a lo Hawkwind titulado “Now Come Out”. Siguen Yura Yura Kingdom con “Bakano Furi”, un tema de rock clásico en japonés. Yuragi aporta una improvisación libre de noise rock. Kousokuya aportan “Kizashi” un corte sin inhibiciones y con el volumen al máximo. Con Ghost entramos en el terreno del folk rock de atmósferas etéreas con “Sun City Tangging”. Ohkami No Jikan es una colaboración de Maki Miura (Shibuya, Fushitsusha) y Nanjo (High Rise) que entregan “Thin City Part. 2”, un instrumental in crescendo que es la gran sorpresa de Tokyo Flashback Vol. 2, pero se corta de repente dejándote con la miel en la boca. El último corte es el de Fushitsusha titulado “Marianne” que es bastante flojo para el nivel de la banda de Keiji Heino.
Tokyo Flashback Vol. 2 es quizás la entrega más rock de la serie y una buena recopilación donde empezar a hurgar en el catalogo de P.S.F. Records. Para los que ya estén hurgando, quizás echen de menos algunos artistas más orientados hacia el folk rock acido japonés que tiene el sello pero eso no hace que no sea una buena representación de la escena del rock más inquieto de Tokio. 

jueves, 15 de mayo de 2014

Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O.


ACID MOTHERS TEMPLE & THE MELTING PARAISO U.F.O.
NEW GEOCENTRIC WORLD OF ACID MOTHERS TEMPLE (Squealer, 2001)
Tsuyama Atsushi: bajo, guitarra acústica, voz
Ginestet Audrey: bajo, piano, voz
Ichiraky Yoshimitsu: batería
Kiozumi Hjime: batería, percusión, saxofón soprano
Kawabata Makoto: guitarra eléctrica, violín, buzuki, alto saxofón, sintetizadores, voz
Ishida Yoko: arpa, coros
Magic Aum Gigi: arpa judía
Higashi Horishi: sintetizadores, guitarra acústica, grabadora
Mano Mazuhiko: saxofón tenor
Cotton Casino: voz, sintetizador

Para escuchar un álbum de Acid Mothers Temple & the Melting Paraiso U.F.O. uno tiene que tener una mente abierta y estar dispuesto a dejarse llevar por un maremoto de excesos. Un exceso sonoro que abarca desde el folk más esotérico hasta el vanguardismo más radical, pasando por el rock psicodélico y el free jazz. Muchos son los que ven en los álbumes de AMT pajas mentales a base de drones interminables y punteos pasados de rosca. Otros vemos un universo de sonidos siderales cargados de guitarras desbocadas y drones que nos descubren nuevas sensaciones. Y el álbum New Geocentric World of Acid Mothers Temple esta entre mis favoritos de los que he escuchado hasta la fecha de este colectivo.
Una de las principales razones es que en New Geocentric World Of Acid Mothers Temple tiene un lenguaje de rock comparativamente más accesible que otras entregas, se puede observar una influencia de clásicos del rock como Jefferson Airplane o Hawkwind pero esto no es garantía de que aquel que escuche este álbum lo encuentre accesible. La mayoría de las composiciones tienen esa atmósfera espacial de Hawkwind cruzados con unos Faust pero con guiños a Blue Cheer o Jimi Hendrix en sus momentos más “hard”. El álbum se comienza con una odisea de 21 minutos llamada “Psycho Buddha” que no se si llamarla acid rock o free jazz eléctrico. Un tema abrasador, cacofónico, pesado, disonante, pajero, un tema que no es para un piquismiquis. Después de un par de minutos de empezar el vieja tienes dos opciones, aquí me bajo y aprietas Eject, o te quedas enganchado con su mundo dimensiones sónicas. Si has decidido no apretar el botón de Eject. Con “Universe Romance” y “Mellow Hollow Love” los AMT te mostraran su lado de atmósferas ambientales que evocan amplios espacios. ACM también suelen dar tributo a sus influencias, y en “Occie Lady” se lo dan al “Foxy Lady” de Hendrix. “You Are Still Now Near Me Everytime” es un tema de combustión lenta en la que tras los cinco primeros minutos de coros femeninos se da paso a otro desmadre guitarrero de Kawabata. “Space Age Ballad” si es una balada es para bailarla en el espacio, tiene un toque de comparación a sus paisanos Ghost en sus atmósferas acústicas e inquietantes. El tema que cierra el álbum es”What Do I Want To Know (Like Heavenly Kisses Part. 2), un drone de 15 minutos con capas de guitarra y una estructura que evoca a My Bloody Valentine y Spacemen 3. Pero hay una 'pequeña' diferencia entre estas dos bandas y Kawabata, este realmente cree que se esta comunicando con el cosmos y sus desmadres son sus ofrendas.
 A muchos se les hará pesado este exceso guitarrero de New Geocentric World of Acid Mothers Temple, pero estamos ante una locura psicodélica, y la invención y disponibilidad a explorar nuevos excesos de Kawabata hace que la música no suene retro sino actual y original.

martes, 6 de mayo de 2014

Bo Ningen


BO NINGEN
LINE THE WALL (Stolen Recordings, 2012)
Tiagen Kawabe: voz, bajo
Kohhei Matsuda: guitarra, eco, fuzz
Yuki Tsujii: guitarra, eco, fuzz
Mon Chang: batería

Segundo álbum de estos japos afincados en Londres con diez nuevos temas. La misma banda se ha en cargado de la producción y han introducido nuevos elementos que han expansionado la estructura y sonido de su música. Si en las grabaciones anteriores, Bo Ningen tenían un sonido que intentaba capturar la energía y crudeza de sus canciones, con Line The Wall han añadido capas musicales dando a su música más profundidad y textura. Pero aunque este cambio en la composición abre a la banda un abanico de posibilidades a su sonido, el volumen sigue estando al máximo manteniendo esa intensidad que caracteriza a los Bo Ningen.
Line The Wall comienza con el vibrante bajo de “Soko” pero temperado con unas espirales de guitarra dando al tema una cualidad ensoñadora. “Shin Ichi” con su palpitante bajo y enredo de guitarras que se insertan en la psique para no desprenderse. En “Daikaise Part I” los Bo Ningen se embarcan en un viaje espacial que recuerda a lo mejor de Hawkwind y que es uno de los momentos álgidos del álbum. En “Ten Te Sen” nos encontramos a la banda en lo más parecido a una balada que han hecho hasta la fecha, aunque una empapada en armonías de noise y feedback. “Daikaise Part II, III” coge el viaje donde lo dejamos en la primera parte para llevarnos por caminos de riffs de metal atenuados con atmósferas y 'grooves' del krautrock más guitarrero. Enorme.
Con Line The Wall, Bo Ningen dan otra muestra de su talento para crear obras psicodélicas tocadas con furia y velocidad pero también con sentido melódico. Un álbum que tiene todo lo que un buen álbum psicodélico debe tener. 

domingo, 4 de mayo de 2014

Les Rallizes Denudés


LES RALLIZES DENUDÉS
YODO-GO-A-GO-GO (10th Avenue Freeze Out, 2006)

Les Rallizes Denudés fueron una de las primeras bandas de noise-psicodélico, y también la más revolucionaria, cuya carrera se extiende a través de cuatro décadas, pero muy poco material hay en la calle de sus primeros años de existencia. La recopilación no oficial (hay algo oficial de esta banda?) Yodo-go-a-go-go, también conocida como Flightless Bird Needs Water Wings, reúne 8 temas grabados entre 1967 y mediados de los setentas por Muzatuni y cía. El título del álbum hace referencia al grupo Yodo-Go, una facción de extrema izquierda de la Armada Roja Japonesa que secuestraron un avión en 1970, grupo entre los que se encontraba el bajista de la banda de por entonces, Moriaki Wakabayashi. La portada es una foto del avión secuestrado.
Yodo-go-a-go-go comienza “Otherwise Conviction” un tema excelente de garage grabado en estudio en 1967 y que tuvo como consecuencia que Mizutani abandonara para siempre los estudios de grabación al verse incapaz de cantarla entonado. Le sigue “Valle de l'eau”, un tema a lo “I'll Be Your Mirror” de los Velvet Underground pero sin el afrancesamiento. Después de estos dos temas cortos viene una sección de cuatro temas expansivos, de enormes improvisaciones llenas de noise y experimentación que son la marca y seña de los Denudés. El primero en llegar es el clásico en el repertorio de los Denudés “Enter The Mirror”, una versión titánica de 13 minutos llena de 'drone' a un volumen atroz, con las improvisaciones en la guitarra de Mutizani marcando destellos de luz celestial. A continuación nos encontramos con el 'freakout' de 19 minutos con el título de “Smokin' Cigarette Blues” grabado a mediados de 1968. Los primeros 12 minutos son de un sonido atroz de cacofonía donde da la impresión de que en cualquier momento todo va a colapsar, pero pasa todo lo contrario, la cacofonía coge fuerza y se convierte en una locomotora imparable. Es como si la parte más noise del “Sister Ray” de la Velvet Underground la estuviera interpretando una horda de los mongoles de Atila, sublime. Después viene “Flames On Ice”, una versión de 17 minutos fantasmagóricos de este tema que aparece con asiduidad en los álbumes de la banda. Y para acabar con la sección de los temas largos nos encontramos con el desfase a lo San Franciscano de “Field Of Artificial Flowers” que en comparación a las tres anteriores parece un tema de rock clásico, pero solo comparativamente. Dos temas cortos siguen: el primero en llegar es el destroza cerebros de “Deeper Than Night”, y cerrando el CD tenemos una versión diferente de “Otherwise My Conviction” que es bastante inferior a la que iniciaba este viaje.

Camaradas, Yodo-go-a-go-go es un CD esencial para los seguidores de esta banda esencial. Avisados estáis. 

viernes, 2 de mayo de 2014

Japanoise: Music at the Edge of Circulation


JAPANOISE: MUSIC AT THE EDGE OF CIRCULATION
por 
DAVID NOVAK

Dudo mucho que este libro llegue a las estanterías en castellano, así que aquellos que no dominen el idioma de Obama, ya pueden hacerse de un buen diccionario. Que sea la editorial de la universidad de Duke la que lo publica indica que tampoco lo van a colocar en demasiadas librerías anglosajonas. Pero una de las buenas cosas del Internet es que pillar ese disco de edición diminuta, ese libro que solo lo leerán tres gatos o aquellos calzoncillos que viste a un guiri en Benidorm están al alcance de un ratón y su correspondiente tarjeta de crédito. Y hay que decir que aquellos que estén interesados en noise, no se pueden perder Japanoise: Music At The Edge Of Circulation. Un libro que se centra en el noise japo puro, y duro. Las bandas en que Novak se centra no hacen música, ni rock sobreamplificado, es noise extremo. Solo se menciona de pasada a alguna gente en la órbita de P.S.F. Records, por ejemplo Fushitsusha o Ghost, pero el centro el meollo son gente como Masonna, Hijokaidan o Hanatarashi. “Noisicians” (así es como Novak les llama) que con un equipo muy modificado y un pedal de guitarra, atronaban en garitos underground de las metrópolis japonesas produciendo constantemente cassettes que hasta seguidores del fenómeno tan enviciados como Thurston Moore tenían problemas en seguir.

En Japanoise: Music At The Edge Of Circulation Novak empieza considerando el creciente interés que ha habido en el noise en los últimos 30 años y se centra en las iniciales incursiones de los músicos experimentales japoneses en las grandes urbes niponas durante los ochentas. De acuerdo con el autor “Japa-Noise' fue el resultado el intercambio entre dos áreas en particular, Japón y América, esta última donde de hecho surge el género. En los dos primeros capítulos el autor nos introduce su investigación etnográfica, hablándonos de los lugares donde se hacían actuaciones y de las tiendas de discos donde se distribuía. Los capítulos 3 y 4 tratan sobre la circulación de las grabaciones noise, sobre su clasificación y de los espacios donde se consumía el Japanoise, primeramente a través de la tradición japonesa del café de jazz (jazu-kissa), donde Novak argumenta que la escucha de noise en cafés fue una reacción contra aquella élite de “entendidos” que evocaban los jazu-kissas, y después como un discurso del género. De acuerdo con Novak, el noise es un expresión antagonista cultural que utiliza el feedback como medio. En el capítulo 5 se utiliza el feedback para ensalzar la subjetividad del “noisician”. En el capítulo 6 Novak revela una compleja relación con la modernidad japonesa, con sus experiencias incrustadas de excesos, traumas, y el tecno-capitalismo. El capítulo 7 Novak examina la relación entre la cultura underground del cassette y la lógica cultural del noise. Un capítulo que por si solo vale la pena pagar los aproximadamente 15 euracos que me costó el libro.

Intercaladas entre el texto hay numerosas fotos en B/N de “noisicians” así como de sus equipos, e incluso un revelador mapa de garitos noise en el Manhattan de los ochenta. Ideal para una ruta turística la próxima vez que visites la Gran Manzana, aunque dudo muchísimo que quede rastro de alguno.

miércoles, 30 de abril de 2014

LSD March


LSD MARCH
EMPTY RUBIOUS RED (White Elephant Records, 2005)

Shinsuke Michishita: voz, guitarra, bajo, percusión
Ikuro Takahashi: batería

La portada corresponde a la edición del sello de Filadelfia Tequila Sunrise Records de 2007 que es la edición que tengo. Hay otras cuatro ediciones con diferentes portadas, una de ellas también lanzada por White Elephant Records con un CD conteniendo una versión alternativa de “Empty Rubious Red” como gancho extra.
LSD March es una banda formada en 1996 con base en la ciudad de Himeji. El nombre esta sacado de un título de un tema de los Guru Guru y esta liderada por Shinsuke Michisita, siendo este el único miembro constante, ayudándose de diversos colaboradores principalmente en los tambores.

Empty Rubious Red es el quinto álbum de la banda y consta de seis temas: cinco de ellos lentos y acústicos, introspectivos y cantados en japonés. Y uno que es pura electricidad. Se trata del tema que da título. Más de ocho minutos de latigazos eléctricos que después de ascender hasta el caos que te deja con los oídos zumbando. Aquellos que gusten de la psicodelia japonesa más desmadrada lo más seguro es que encuentren el gusto por atmósferas folkies y lánguidas de Michishita algo difícil de digerir pero aunque sea solo por el tema “Empty Rubious Red”, deberían hacerse con este álbum.

miércoles, 1 de enero de 2014

Spectrum Synthesize!


SPECTRUM SYNTHESIZE!
HUMOUR & DESTRUCTION (Autoeditado, 2005)

Spectrum Synthsize! vienen de la ciudad de Okayama, al sur de Japón, con una sabor distintivamente de hardcore y post-punk. Al parecer su origen se remonta al 2001 y ha tenido numerosos cambios de formación hasta su disolución en el 2008. Humour & Destruction fue autoeditado y hasta donde sé, es lo único que Spectrum Synthesize1 sacaron a la calle. Punk esquizofrénico de 11 temas en poco mas de 11 minutos que recuerda a unos Melt Banana, a los primeros Boredoms o a I Want City con los que compartieron miembros.