Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O.

ACID MOTHERS TEMPLE & THE MELTING PARAISO U.F.O.

MYTH OF THE LOVE ELECTRIQUE (Riot Season, 2006)

Kitagawa Hao: voz

Tsuyama Atsushi – bajo monstruo, guitarra acústica, voz, flauta sopranino recorder tocada con una pierna

Higashi Hiroshi – sintetizador

Shimura Koji - batería

Kawabata Makoto – guitarra eléctrica, buzuki, buzuki eléctrico, hurdy-gurdy, órgano, sintetizador, electrónica, tambura, sitar, percusión

Vamos a decirlo desde el principio: Myth Of The Love Electrique es uno de los grandes álbumes de los japos Acid Mothers Temple. Ya la portada es deliciosamente retro hippy, con una mujer desnuda sobre un cielo azul lanzándose con una diana a lo Tarzan que sugiere que el viaje de psico rock va a ser divertido. Es su segundo álbum para su propio sello Riot Season, y lo grabaron entre julio y agosto de 2006. Además es el primer álbum en el que aparece Kitagawa Hao sustituyendo a la vocalista Cotton Casino. Su voz es más aguda y operática que la de Cotton Casino, que tiene un estilo más agresivo.

El álbum entra con la suite de más de 21 minutos “The Man From Giacobinid Meteor Comet” que es puro desfase de guitarra eléctrica a lo Band of Gypsys pero espaciales. La suite esta dividida en tres partes, al menos eso dicen los créditos, pero donde empieza una y acaba la otra es difícil decir y me parece innecesario. La segunda parte del título es una referencia al guitarrista de jazz belga Django Reinhardt mostrando que los AMT miran más allá del acid rock de los 60s-70s. “The Man From Giacobinid...” es el típico desfase mental psicodélico de los AMT pero con el tempo subido un par de niveles. Un psico rock con la guitarra de Kawabata a todo volumen y los silbidos y ruidos de los sintetizadores de Higashi jugueteando entre la distorsión. Hacia el minuto 13 las guitarras eléctricas son sustituidas por la guitarra acústica y unos sintetizadores adormecidos. Pero unos tres minutos después todo se vuelve un white noise con el que llegamos al final del tema.

El segundo tema “Five Dimensional Nightmare” es una suite de 13 minutos de sonidos acústicos, donde la banda se inspira en el folk oriental y en el krautrock creando un drone misterioso y sumamente bello. “Five Dimensional Nightmare” también se divide en tres continuos segmentos difícil de separarles. Es aquí donde oímos la voz de Kitawaba Hao por primera vez.

Con “Love Electrique” volvemos a donde lo dejamos con “The Man From Giacobinid...”, una jam de casi 20 minutos añadiendo la voz de Kitawaba. Cuando vamos a llevar diez minutos de distorsión desmadrada todo se vuelve más meloso, y lentamente se va creando un maravilloso sólo de guitarra por Wawabata. El tema se cierra con un riff de guitarra limpio, sin efectos o distorsión y con muchísimo gancho.

El álbum lo cierra “Pink Lady Lemonade (May I Drink You Once Again?)” un tema que había estado presente desde hacia tiempo en los conciertos de AMT pero esta es la primera vez que lo graban en estudio. Después de una entrada de efectos siderales acompañando los susurros cósmicos de Kitawaba, la jam se centra en un riff semi acústico y se va construyendo alrededor de este una jam de psico rock ralentizada, con un sólo de guitarra en segundo plano y un impresionante bajo a cargo de Tsuyama. El tema acaba desapareciendo lentamente. Bello, muy bello.

Uno de los álbumes más completos de los AMT. Un viaje cargado de electrónica colocona, de guitarras locas y susurros espaciales. Bello y lleno de energía a partes iguales.

Bo Ningen

BO NINGEN

BO NINGEN (Stolen Records, 2010)

Taigen Kawabe: voz, bajo

Kohhei Matsuda: guitarra, eco, fuzz

Yuki Tsujii: guitarra, eco, fuzz

Mon Chang: batería, ascensión

Primer álbum de la banda de estos cuatro japos afincados en Londres. La portada es una foto en blanco y negro de una playa desierta y con un símbolo oval dibujado en el cielo. Una portada que no dice mucho para el viaje a base de guitarras que es el álbum. En las primeras copias del CD vienen dos hojas de papel de arroz con los créditos y un dibujo con símbolos, en posteriores ediciones el papel es normal.

El álbum empieza con la bomba sonora de“4 Seconds To Ascension”, un tema de rock donde unos Black Sabbath se encuentran con unos Sonics. Le sigue “Yura Yura Kaeru” es un tema casi pop si no fuese por esas guitarras cósmicas. A continuación viene “Koroshitai Kimochi (reprise)” en una versión diferente a la que aparece en su EP, y que es un viaje de guitarras donde unos acelerados Pixies se cruzan con Hawkwind. “Gasmask Rabbit” empieza con una nana esquizofrénica que va en crescendo hasta explotar en guitarras desbocadas donde hay momentos que me recuerdan a Motorhead. Imaginate tu tema favorito de rock con riff con fuzz ametrallado hasta llegar al orgasmo pues algo así podría ser “Kage”. Y después del orgasmo llegamos a “Post Yohkai” que es la canción más floja del álbum. Un tema atmosférico de casi 11 minutos que se hace pesado y largo. Con “Maguro (rewind)” volvemos a las guitarras desbocadas y explosivas, puro psico hardcore. Pero con “Yuruyakana Ao” regresamos a terrenos atmosféricos de guitarras psicodélicas y líquidas, que funciona esta vez. El álbum lo cierra “Δ” un tema de casi 16 minutos donde los Bo Ningen muestran todos sus lados. Una tremenda suite que va en crescendo a medida que avanza, empezando con en entrelazado de las guitarras delicado y, la voz y bajo de Taigen susurrando. Aumentando la intensidad con duelos entre las guitarras de Kohhei y Yuki hasta que todo se para y de repente, de la nada, aterriza este riff pesado y lleno de fuzz, sacado de entre lo mejor de Black Sabbath. Minutos después sobre este tremendo riff construyen solos desbocados de guitarras psicodélicas que me recuerdan a los de Yawabata de Acid Mother Temple. El riff se va ralentizando poco a poco, pero el caos sonoro va en aumento con voces superpuestas entre en entresijo de las guitarras hasta desbocando en un orgasmo de cacofonía como finale.

Bo Ningen ha creado un gran primer álbum. Una pieza de rock psicodélico japonés que bebe tanto de artistas de noise psicodélico experimental japonés High Rise o Acid Mother Temple como de rock occidental, principalmente de los setentas.  

Flower Travellin' Band

Yamanaka.

 FLOWER TRAVELLIN' BAND

SATORI (Warner Bros, 1971)

Hie Yamanaka – voz, armónica

Hideki Ishima – guitarra

Jun Kozuki – bajo, guitarra

Joji “George” Wada – batería

Satori es el segundo álbum de Fower Travellin' Band Satori, aunque el primero con material propio. La portada del álbum muestra un dibujo de Buda en posición meditativa rellenado con dibujos de un universo mandala con el monte sagrado Meru, estupas, los ciempiés fumadores de Alicia en el país de las maravillas, robots de ciencia ficción de dibujos animados japoneses, y más. Y todo esto es lo que refleja la música en las cinco diferente secciones en que se divide Satori.

Un AAAAAAHHHHHH! es el grito que introduce el riff pesado de “Part I”, un tema sabathiano por los cuatro costados: riff de guitarra robado a Iommi, esos gritos que recuerdan a un Ozzy, y hasta parece que han puesto en la batería a Ward. En “Part II” la FTB meten sonidos orientales y guitarras psicodélicas a la pesadez sabathiana que en momentos a mi me recuerdan a unos Blue Cheer en sus momentos más expansivos. Esta es mi parte favorita del álbum, aquí es donde la banda consigue mezclar el misticismo oriental con el hard rock de forma más convincente sin parecer cargantes. La “Part III” es un corte de más de 10 minutos donde la banda continua explorando el riff y misticismo de la parte anterior. Es un tema instrumental con un solo de guitarra muy de la época. “Part VI” es distinta, tiene un riff más blusero, más a lo Cream y hasta introducen la armónica. Y la “Part V” es donde FTB introduce la parte más progresiva de la suite, más Amon Duul que ELP debemos matizar. Esta es la parte que menos me convence y me resulta algo artificiosa. Esos gorgoritos del principio que me recuerdan al rock flamenco quizás tenga mucho que ver.

Satori es uno de los grandes álbumes japos de los primeros setentas. Un álbum que mezcla atmósferas psicodélicas con blues rock y rock progresivo, consiguiendo un poderoso sonido que todavía resulta sorprendentemente convincente. Para aquel que guste del rock de finales de los sesentas principios de los setentas merece la pena cada céntimo que te gastes en conseguirle.

Boredoms

BOREDOMS

VISION CREATION NEWSUN (WEA, 1999)

EYE : mezclas, voz, sintetizador, samples, plato, magnetofón, vocoder, ordenadores, electrónica

YAMAMOTOR : guitarra, voz

HILAH : bajo, efectos, voz

YOSHIMI : batería, percusión, casiotone, voz

ATR : batería, percusión, caja de ritmos, voz

E-DA : batería, percusión, caja de ritmos, voz

Vision Creation Newsun fue el primer álbum que cayó en mis manos de Boredoms y fue como una revelación. Recuerdo que la primera vez le escuché en mi CD portátil, no estoy seguro de que había mpdos o mptres por entonces, mientras iba al Soho en mi bici. Tuve que parar y empezar el CD otra vez. Quería estar estar seguro que ese torrente de sonido venia de mis cascos y no era que los humos de los Routemasters me estaban afectando. ¿Era esto ambient o noise o psicodelia o rock cósmico...? Era todo eso y más. Una nueva visión, una nueva Utopia. La portada con una persona que no se le ve la cabeza debido al deslumbramiento del sol con un cielo azul despejado era de lo más apropiada, como lo era el título, Visión Creación Nuevosol.

El álbum fue realizado en 1999 por la WEA japonesa. La primera fue una edición limitada que tenia un segundo CD con dos remezclas y un tema de la banda en directo. La portada también era diferente. Los diferentes cortes del álbum no tienen título, sino que se diferencian por símbolos.

El álbum empieza con "◯" (círculo), y con una voz diciendo “new sun, sun, sun, sun (nuevo sol, sol, sol, sol)” seguido de unos sintetizadores anunciadores de lo que nos viene. Y la llegada del nuevo sol es una orgía de percusión con una base de guitarra juguetona y sintetizadores espaciales revoloteando en el fondo de más de 15 minutos. Un viaje sonoro del que te deja preparado para enfrentarte al resto del álbum.

Sin aviso llega "☆" (estrella), quizás el momento álgido del álbum. El tema empieza con un brillante entramado de guitarras y percusión, abriéndose lentamente y echando raíz alrededor de la guitarra psicodelica de Yamamotor que no deja de recordar a ciertos temas de Spacemen 3. A la vez que la banda pasa de variación en variación y el tema gana en volumen e intensidad. Entonces todo deshace y justo cuando parece que todo fue un sueño, Boredoms vuelve a poner el tema en marcha y lo encarrilan incluso con más fuerza. Mis ojos se humedecen, siento chisporrotear en mi cerebro, estoy en trance.

"♡" (corazón) le sigue. La estructura no cambia demasiado al del tema “estrella”. Sigue con la exploración de atmósferas a base de ritmos frenéticos y teclados espaciales. Y dentro de esa misma exploración están "Ҩ" (espiral),"～" (tilde), "◎" (dos círculos)"↑" (flecha hacia arriba) y "Ω" (omega), pero estoy totalmente entregado y todo parece una continuación del mismo viaje, etapas que van cambiando de atmósfera pero siempre en estado de éxtasis, como un crío con un juguete nuevo. Intentar bajarte seria abandonar el juego a medias. Todo forma parte de un entero, loops de guitarra hipnóticos se repiten de corte en corte, efectos siderales, percusión rock o bossanova o tribal, que más da, es un continuo trance, un bacanal del que no quiero salir.

Entonces llega el tema de despedida"ずっと" ("Para siempre") donde después de una entrada de puro silencio de unos 40 segundos poco a poco el tema va cogiendo forma pero es la hora de aterrizar, de volver del trance, de ir recogiendo mis pertenencias y prepararme para el nuevo sol.  

Les Rallizes Denudes

LES RALLIZES DENUDÉS

HEAVIER THAN A DEATH IN THE FAMILY (Ain't Group Sounds, 2002 / Reedición por Phonenix Records, 2010)

Takashi Mizutani: voz y guitarra solista

Nakamura Takeshi: guitarra eléctrica

Hiroshi: bajo

Mimaki Toshirou: batería

Heavier Than A Death In the Family es una recopilación de grabaciones en directo realizadas en 1973 y 1977. Principalmente grabaciones de 1977, y que la mayoría de ellas ya aparecieron en el doble álbum 77'Live. El álbum fue lanzado en el 2002 Ain't Group Sounds, y en el 2010 fue reeditado por Phoenix Records. No hay ningún tipo de información en la carpeta sobre el personal o donde fue grabado pero los músicos que he puesto más arriba corresponden a los de las grabaciones de 1977.

Ya escuchando el primer corte “Strung Out Deeper Than The Night” de 11' 45”, nos damos cuenta de que el título del álbum es de lo más apropiado. El sonido te golpea y machaca hasta que no tienes otra opción que rendirte. Capas sobre capas de silbidos, gruñidos, aullidos, guitarras y un bajo machacón que dejan al oyente en estado de trance, o como resacoso, dependiendo de tus afiliaciones musicales. No se puede negar el poder visceral de la música de LRD.

“The Night Collectors” es otro asalto de 8' 32” en la misma onda y que da paso a una de las piezas más grandes del álbum, “Night Of The Assassins”, que empieza con un juego de bajo que doo-wop no muy lejano al de “Stand By Me” de Ben E. King y la guitarra dispersa y medio funky, antes de que todo un lodazal sonoro se nos venga encima. Esto es creatividad realizada con sonidos discordantes y densos. Al parecer esta canción es una sátira a la moda artificiosa del sonido pop de Japón, pero aun así este corte no deja de ser una extraña gema pop.

El cuarto tema en entrar es “Enter The Mirror” donde el tímpano se toma un descanso después del torrente sonoro que nos ha pasado por encima y de paso inventan el shoegaze una década antes de su tiempo. Empieza con una sencilla y soñadora línea de bajo de Hiroshi que sirve como ancla para las guitarras retumbantes y expresivas de Mizutani, que con esas voces de ángel caído crean un infinito desolado, pero hermoso.

Uno de los temas de más interés en el lote es “People Can Choose” grabado cuatro años antes, en 1973. El tema es más ruidoso y más salvaje que el material anterior, siendo una clara referencia a lo que High Rise, Mainliner, o otras actos de volumen a tope harán dos décadas después.

Y acabando el álbum nos encontramos con “Ice Fire” de 16' 13”. Un tema que completa el círculo sonoro, ya que volvemos a la estructura compositiva clásica de LRD: ese sonido de guitarras primitivas muy a lo Velvet Underground mezcladas con la sencillez de los Troggs, todo cargado de reverberaciones, fuzz y ecos.

Heavier Than A Death In the Family es un álbum que debería escuchar cualquiera que quiera entender a Les Rallizes Denudés, banda que es el corazón no tan secreto del rock underground japonés.

Melt-Banana

 MELT-BANANA

CELL-SOAP (A-Zap Records, 2003)

Yasuko Onuki: voz

Ichiru Agata: guitarra, sintetizadores

Rika Mm: bajo

Quinto álbum de estudio de la banda de noise-hardcore con base en Tokio. Cell-Soap fue grabado en Tokio entre febrero del 2002 y marzo del 2003. En este álbum no tienen batería sino programas de ordenador/sintetizador inspirados en la forma de tocar la batería de Dave Witte. Esto es una indicación que la electrónica juega un papel ligeramente más importante que en sus previas entregas. Aunque el sonido de ametralladora que crea la forma de cantar de Onuki, que son chillidos histéricos se supone en ingles pero en realidad son ininteligibles, la manera tan cortante y rápida de tocar la guitarra de Agata, que dicen las malas lenguas es una de las peores pesadillas de Eddie Van Halen, y la sección rítmica a toda ostia pero sincopada sigue ahí. No obstante la banda ha evolucionado y las canción se han vuelto ligeramente más largas, complejas y elaboradas, creando nuevas atmósferas, haciéndole uno de mis álbumes preferidos de Melt-Banana.

De entrada nos encontramos con “Phantasmagoria” un tema de efectos electrónicos de minuto y medio. Sin aviso nos viene “Shield For Your Eyes A Beast On The Well On Your Hand” un tema en el que el sonido característico de la banda, ese sonido en el que la voz de Onuki, la guitarra de Agata y la sección rítmica tocadas super rápido ametrallando todo lo que se pone por delante. Pero nos damos cuenta que hay una evolución hacia estructuras más elaboradas y cierta tendencia hacia una melodía más pop. Y en la misma onda están los temas que siguen: el extraordinario“A Dreamer Who Is Too Weak To Face Up”, “Lost Parts Stinging Me So Cold” con su estribillo muy a lo Hard-Ons, “Chain-Shot To Have Some Fun” con su juego de grindcore con melodía pop. A continuación viene “Like A White Bat In A Box, Dead Matter Goes On” un tema que para mi sobra en el álbum, “Key Is A Fact That A Cat Brings” con su apocalíptico finale, más noise rock electrónico con“A Hunter In The Rain To Cut The Neck Up In The Present Stage” aunque a media canción consiguen crear una gran atmósfera electrónica, “If It Is The Deep Sea, I Can see You There” otro ataque guerrillero electrónico. El álbum acaba con una suite de ambiente electrónico de 10 minutos con el título “Outro For Cell-Scape”, nada de guitarra, voz o sección rítmica, solo sintetizadores y programas. Aunque es algo nuevo en esta banda, no aporta nada.

Cell-Soap es un paso adelante en el sonido de Melt-Banana, lo suficiente para no sonar repetitivos. Aquellos que se lo pasaron bomba con sus otros discos no les va a decepcionar, pero dudo mucho que aquellos que aborrecen el sonido de la banda vayan a cambiar de opinión. Para aquellos que no les hayan oído es una excelente introducción a su propuesta.

High Rise

 HIGH RISE

II (P.S.F. Records, 1986 / P.S.F. Records, 1993)

Asahito Nanjo: bajo, voces

Munehiro Narita: guitarra

Yuro Ujue: batería

El primer álbum de High Rise fue publicado en 1986 por P.S.F. Records, aunque yo voy a hablar de la versión remasterizada y que contiene 2 temas extra que sacaría el mismo sello de Tokio en 1993. Un álbum en el que la energía del punk se encuentra con la pesadez psicodélica de unos Cream, Bluee Cheer o Jimi Hendrix.

De entrada esta el instrumental “Cycle Goddess”, un rock and roller de menos de un minuto que sirve para prepararnos para lo que se nos viene encima, “Turn You Cry” otro rock and roller más delirante si cabe. Continuamos con “Cotton Top”, un tema con un pulso alocado, un riff de guitarra neurótico y stoogiano y un ritmo de batería tribal. Después nos llega “Last Rites”, otro ataque epiléptico con un tremendo riff de Narita y con el que acaban sin previo aviso, como si les hubieran cortado la corriente. “Wipe Out” empieza con Narita dando unos manotazos a su guitarra para meterse de lleno donde lo habíamos dejado con “Last Rites”. Una aventura psicodélica que parece una versión de un tema desconocido de Pink Floyd pero tocada a doble velocidad.

Pero todo esto se queda corto en comparación con “Pop Sicle”, un tema de 13 minutos con el que cerraban la versión original de 1986. Aquí nos encontramos con un raga-boogie que recuerda a la Velvet Underground, con Ujue golpeando la batería con más furia si cabe y con unos amenazantes solos de guitarra galácticos de Narita. El estilo de terrorismo guitarrero y catastrofista de Narita llega a su cima en este bacanal.

En la versión de 1993 nos encontramos con 2 cortes extras: “Monster A Go Go” un tema casi funkadelico, donde la banda se muestra más comedida, pero sin pasarse, y “Induced Depression” un tema con riff garagero punk.

II es quizás la mejor introducción al mundo de caos sonoro de High Rise, tiene (casi) todo lo que uno puede esperar de este trío, temas tocados a toda hostia, con furia y todo muy crudo.

Fushitsusha

 FUSHITSUSHA

PATHÉTIQUE (P.S.F. Records, 1994)

Yasushi Ozawa: bajo

Jun Kusogi: batería

Keiji Haino: guitarra voces

Cuarto álbum del combo de Keiji Haino, que también se le conoce como 4 o su título romanizado Hisou. La portada del CD es negra con el nombre de la banda en japonés en color grisáceo, sugiriendo lo oscuras y profundas que son las ideas y las emociones de su música. E igualmente minimalistas son los títulos de las cuatro composiciones, que no los tienen por lo que les llamaré 1, 2, 3, y 4.

Los cortes 1, 2 y 3 recuerdan algo a Captain Beefheart and His Magic Band, menos ácidos y más distorsionados, con su guitarra juguetona en el que hay momentos alocados y donde las letras en japones se susurran, siempre estando en un segundo plano. El marco que sustenta las composiciones chirría y gime como si estaría soportando un exceso de peso. Pero estos tres temas son solo una preparación para el 4, una excursión de 44 minutos de ruido crudo, incontrolable, perfecto, divino. Una sinfonía que pone a prueba al oyente: o hace que despues de diez minutos detestes este álbum, o te quedes hipnotizado por las complejas estructuras de cacofonía que son capaces de producir estos tres músicos. Esa singular combinación de estructura de rock, la manera de tocar la guitarra de Haino, desentonada, con un feedback áspero, seco y rasposo, con los juegos acompasados de la sección rítmica, y añadiendo en ocasiones la voz gutural y sin melodía, que es capaz de crear estructuras tensión y liberación raramente igualadas en el rock.

Pathétique, 4 o Hisou, como quieras llamar a este álbum, no es un álbum fácil, y tampoco creo que quieras escucharle un día si y al otro también, pero cuando decidas ponerle en tu equipo te proporcionara uno de los viajes musicales más intensos de tú vida.